Neko Et Eurythmia

Bärracuda presenta su nuevo sencillo «Mar adentro»

Almu de Andrés — Fri, 04 Sep 2026 06:36:56 +0000

Mar Adentro” es el tercer adelanto –antes publicaron “Como El Cristal” (ver video) y “Otra vez” (ver video)- que la joven ciempozueleña banda Barracüda, presentan y que aparecerá dentro de su próximo EP, que estará disponible antes de finalizar 2026. Esta canción, igual que todo el EP, ha sido producido por Mr.Chify prestigioso guitarrista de Habeas Corpus y productor de bandas como Riot Propaganda, Habeas Corpus, Non Servium, Suzio 13 o Kaos Urbano.

“Mar Adentro” es un tema rápido, vertiginoso, emocionante, fuerte, …muy Mötorhead!. Totalmente ideal para pogos y bailes descontrolados a píe de escenario. La grabación se realizó en directo mezclando grandes momentos vividos, con la energía habitual que Barracüda desprende en sus conciertos, en una repleta Sala Oxido, en Guadalajara.

Barracüda explican la idea que desarrolla está nueva canción.

“ ’Mar Adentro’ es un grito entre el miedo y la ira, un presagio de un fin del mundo cada día más presente en la conciencia colectiva y un cuadro de lo imposible que se siente virar la trayectoria de la raza humana. La canción no pretende dar respuestas, solo hacer sonar la alarma”.

Desde 2017, Barracüda no han dejado de demostrar su potencial compartiendo escenario con bandas como Desakato, Tropa Do Carallo, Talco, Kaos Urbano, Los de Marras, Envidia Kotxina, Ñu, Sinkope o Reincidentes. También han pisado festivales que apuestan por el futuro del Rock y por dar visibilidad a las nuevas bandas como: Rebujas Rock, Festival Tajadak, Centenera Rock, Grimal Rock, Fiestas de San Nicasio o Pradera Fest, entre otros.

Barracüda arrancaron su nueva gira, a finales del 2025, en México y alternando con la publicación de nuevos singles, siguen sumando fechas a su actual gira en salas y festivales:

GIRA BARRACÜDA 26

Fechas confirmadas

2026

17 SEPTIEMBRE. GUADALAJARA.TBA

09 OCTUBRE. COMUNIDAD DE MADRID. TBA

21 NOVIEMBRE. CABEZA DE VACA. BADAJOZ. JORGAZO ROCK.

12 DICIEMBRE. BILBAO. TBA

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Legado de una Tragedia vuelve a cobrar vida desde una nueva perspectiva.

Almu de Andrés — Fri, 04 Sep 2026 06:29:44 +0000

El universo de Legado de una Tragedia vuelve a cobrar vida desde una nueva perspectiva. El próximo 18 de septiembre, se lanzará la versión instrumental de Lovecraft, una nueva oportunidad para adentrarse en la oscura y fantasmagórica atmósfera de una de sus obras más ambiciosas.

Originalmente publicado el 7 de febrero de 2025, Lovecraft fue concebido como un viaje musical inspirado en el universo del célebre escritor H. P. Lovecraft y sus inquietantes criaturas, explorando sus miedos, su visión de la humanidad y los mundos que habitaban su imaginación.

Esta nueva edición prescinde de las voces para poner el foco en los otros elementos que construyen el universo sonoro del álbum: guitarras poderosas, melodías oscuras, ambientaciones sombrías y una marcada esencia gótica. Una experiencia que permite apreciar desde otra perspectiva cada una de las composiciones que forman parte de Lovecraft.

El propio Joaquín Padilla describió el sonido del álbum original como una evolución de la senda marcada por Aquelarre de Sombras, con un enfoque más duro y metalero, guitarras más contundentes y un universo fantasmagórico construido alrededor de melodías oscuras y atmósferas sombrías.

La edición instrumental recupera las 11 composiciones que forman el álbum:

1 En La Noche De Los Tiempos

2 En Las Montañas De La Locura

3 La Llamada De Cthulhu

4 Herbert West: Reanimador

5 La Sombra Sobre Innsmouth

6 A Pesar De Ti

7 El Morador De Las Tinieblas

8 El Monstruo En El Umbral

9 El Horror De Dunwich

10 Dagon

11 Desde El Más Allá

La portada original, obra del reconocido diseñador Gustavo Sazes, refleja el universo interior de Lovecraft y los monstruos que habitaban su mente. Una representación de sus miedos, sus fantasmas y las criaturas que forman parte de su particular cosmogonía.

Ahora, esas mismas composiciones regresan sin voces para ofrecer una nueva forma de experimentar el universo de Lovecraft. El próximo 18 de septiembre, el viaje continúa.

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El artista Carlos Aires interviene la Nave 0 de Matadero Madrid

Almu de Andrés — Fri, 04 Sep 2026 06:26:03 +0000

Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, prosigue el programa ‘Abierto x Obras’ con la exposición Bailad, bailad, malditos, del artista multidisciplinar Carlos Aires (Ronda, 1974). Para esta intervención, Aires parte de la Nave 0, antigua cámara frigorífica del matadero municipal, y de las huellas que todavía conserva de un antiguo incendio. Las heridas visibles del espacio y la memoria de su violencia sirven como punto de partida de una instalación que altera nuestra percepción de su arquitectura.

En esta propuesta comisariada por José Luis Romo, director artístico de Matadero Madrid, Carlos Aires invita al espectador a entrar en una pista de baile dentro de una arquitectura que parece detenida en un momento incierto, entre aquello que todavía se sostiene y aquello que podría desaparecer.

La ruina y la euforia conviven en una instalación atravesada por el baile y un inquietante paisaje sonoro. A medida que el visitante se adentra en ella, lo familiar comienza a resultar extraño y ciertas presencias parecen acompañarle sin terminar de revelarse. Bailad, bailad, malditos supone su primera exposición individual en una institución pública de Madrid.

Bailar como forma de resistencia

El título de la exposición hace referencia a la película They Shoot Horses, Don’t They? (1969), de Sydney Pollack. Ambientado en la Gran Depresión estadounidense, el filme muestra a varias parejas obligadas a bailar durante jornadas maratonianas para escapar de su miseria. Los cuerpos son llevados hasta el límite en una competición en la que continuar bailando significa continuar dentro. Bailar aparece así como celebración, pero también como resistencia, agotamiento y necesidad de continuar.

Titulada en España como Danzad, danzad, malditos, Aires ya usó este guiño en una exposición hace más de veinte años. Esta referencia conecta con la importancia que el cine, la música y la cultura popular han tenido a lo largo de la trayectoria de Carlos Aires, desde donde ha abordado cuestiones relacionadas con el poder, la economía, la violencia, el deseo y la memoria.

La euforia frente al desasosiego

Las imágenes que atraviesan la instalación sitúan al visitante ante una tensión entre euforia y desasosiego, celebración y amenaza. Aires se aproxima a un presente en el que imágenes y acontecimientos se superponen a una velocidad que apenas permite asimilarlos, mientras la vida cotidiana continúa su curso. Lo extraordinario y lo banal, la celebración y la catástrofe pueden ocupar así un mismo tiempo y una misma mirada.

A medida que avanza la experiencia, la relación con el espacio y con aquello que el visitante cree ver se vuelve más incierta. Incluso las tecnologías bélicas creadas para permitir mirar en la oscuridad encuentran aquí sus propios límites. El sonido adquiere entonces una presencia fundamental: voces, rastros y presencias invisibles acompañan al espectador sin terminar de revelarse. Algo parece acompañarle, aunque la mirada no consiga encontrarlo.

La ruina y la fiesta ocupan un mismo lugar: una suerte de discoteca subterránea, un after bajo una estructura cuyo derrumbe no se aprecia, pero se presiente.

Carlos Aires, artista multidisciplinar

Carlos Aires (Ronda, Málaga, 1974) es un artista multidisciplinar que reside y trabaja en Madrid. Su práctica artística explora las relaciones entre poder, economía, violencia, deseo y memoria, articulando una reflexión crítica sobre los mecanismos que configuran la sociedad contemporánea. La música constituye un eje fundamental de su investigación, empleada como archivo cultural, lenguaje político y dispositivo crítico.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, completó estudios de posgrado en la Fontys Academie (Países Bajos), el HISK (Bélgica) y la Columbus State University (Estados Unidos).

Su obra se ha presentado en bienales e instituciones internacionales como la Bucharest International Biennial (Rumanía), la Thessaloniki Biennale (Grecia), el SMAK (Bélgica), el MACAM (Portugal), el Belvedere Museum (Austria) y el Museo de Arte Carrillo Gil (México), entre otras. Forma parte de colecciones públicas como las del MACBA, CA2M, ARTIUM, Banco de España, BPS22 (Bélgica), Les Abattoirs – FRAC (Francia) y MAK (Austria), y ha sido distinguido con el Premio Generaciones Caja Madrid, el Young Belgian Art Prize y la beca Fulbright.

Reactivación de ‘Abierto x Obras’

En su etapa anterior, entre 2007 y 2018, el programa ‘Abierto x Obras’ ofreció al público madrileño intervenciones únicas de artistas como Daniel Canogar, Jannis Kounnellis, Román Signer, Eugenio Ampudia, Carlos Garaicoa, Fernando Sánchez Castillo, Jordi Colomer, Los Carpinteros, Cristina Lucas, Cabello/Carceller, Elena Alonso y Teresa Solar, entre otros.

En esta nueva etapa, iniciada en abril de 2025, ‘Abierto x Obras’ mantiene su vocación de invitar a artistas contemporáneos a producir obras concebidas específicamente para la Nave 0, explorando las posibilidades que surgen del diálogo entre creación y espacio. En esta línea, ya han intervenido la Nave 0 las artistas Greta Alfaro, Eva Fábregas, Mónica Mays y Cristina Mejías. Precisamente Mejías recibió el premio Ojo Crítico 2026 en la categoría de artes visuales por su instalación en ‘Abierto x Obras’.

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Control de Gravedad anuncian el lanzamiento de un nuevo sencillo

Almu de Andrés — Fri, 04 Sep 2026 06:22:25 +0000

La banda madrileña de pop-rock Control de Gravedad vuelve a la carga con la presentación oficial de su nuevo sencillo, “Felicibar”. Tras marcar su regreso por todo lo alto con el lanzamiento de su vídeo-single “Lucifer” a mediados de año y su paso por los escenarios madrileños, el grupo consolida esta nueva etapa con un tema directo, potente y cargado de optimismo reflexivo. Fieles a su estilo de pop-rock con tintes punk y rock melódico, Control de Gravedad apuesta en esta ocasión por una composición que entrelaza estribillos altamente pegadizos con riffs contundentes. En palabras de la banda, el tema busca conectar con el oyente desde la primera escucha mediante letras sinceras y llenas de energía, manteniendo la química y el «buen rollo» que tanto define sus directos. El sencillo ha sido producido cuidando al máximo la identidad de directo de la banda, permitiéndoles profundizar en narrativas de superación personal que ya habían comenzado a explorar en sus últimos trabajos de estudio.

“Siéntete a gusto y bienvenido a mi felicibar”

“Felicibar” habla de la presión y las dificultades para sobrellevar el día a día. Cuando llegas al oasis de felicidad que ellos llaman “Felicibar” todo se convierte en diversión, fiesta y buen rollo. Se podría definir como ese lugar de desconexión que todos necesitamos.

PRÓXIMO CONCIERTO
10/10/26
VALDEFEST – VALDECABALLEROS – BADAJOZ

Disponible en todas las plataformas
«Felicibar” disponible a nivel global en todos los servicios de streaming (Spotify, Apple Music, Amazon Music entre otras plataformas). El lanzamiento estará acompañado además de un videoclip que estará disponible el 12/09/26

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«Sorry, but I think It’s true» es el nuevo tema de T-Makers

Almu de Andrés — Thu, 03 Sep 2026 06:36:43 +0000

Llega septiembre y con él el tercer single de estreno del próximo LP de The T-Makers, “Inner Planet” (Espora Records / Runnaway Records). En esta ocasión descubrimos “Sorry, but I think it’s true”, el tema que abre la cara B del vinilo que se pone a la venta el próximo 24 de septiembre. Este nuevo single estará disponible en plataformas de streaming a partir de este jueves 3 de septiembre.

Después de los adelantos el pasado junio, “Scottish Boyfriend” y “Love of Love”, y sus respectivos vídeos que muestran la diversidad estilística, temática y artística que recorre todo el disco; The T-Makers nos vuelven a sorprender con una canción y un vídeo que les sitúa un paso más adelante en su afán por ensanchar sus propias fronteras.

Con “Sorry, but I think it’s true” la banda de Algaida (Mallorca) sublima el pop atemporal con ecos del rock de los cincuenta (se intuye la influencia del gran Roy Orbison) en una canción donde se apela a la dignidad de la mujer cuando ésta se ve enfrentada a una actitud masculina holgazana y sinvergüenza.

En esta ocasión la canción viene acompañada de un vídeo donde, con mucho sentido del humor, reflejan el empoderamiento femenino ante la masculinidad tóxica. El vídeo vuelve a ser un ejercicio de “do it yourself” con guion y producción del propio equipo de The T-Makers.

Tras haber participado con muy buena acogida en el Todd in The Hole Festival 2026 en Luton (UK) y en varios conciertos en la isla, la banda se encuentra en plena forma de cara a la presentación oficial del LP en la Sala Es Gremi en Palma el próximo 25 de septiembre dentro del ciclo de conciertos “El eterno verano”, así como en la Fira del Disc de Palma que tendrá lugar en el mes de octubre.

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La octava edición del festival L.E.V. Matadero apuesta por el arte digital

Almu de Andrés — Thu, 03 Sep 2026 06:33:30 +0000

Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo

y Deporte, acogerá del 17 al 20 de septiembre la octava edición de L.E.V. Matadero, un festival que convertirá de nuevo la ciudad en punto de encuentro para algunas de las propuestas más innovadoras de la creación contemporánea. Con una programación que combina estrenos absolutos, primeras presentaciones en España y proyectos especialmente concebidos para el contexto del festival, L.E.V. Matadero reafirma su compromiso con la experimentación y los nuevos lenguajes audiovisuales.

L.E.V. Matadero, considerada una de las cinco primeras ferias y festivales de arte imprescindibles según el Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea, recorrerá algunas de las propuestas más interesantes de la creación contemporánea conectando música, artes visuales y tecnologías digitales. Conciertos, performances audiovisuales, piezas escénicas, instalaciones inmersivas y experiencias XR conforman una programación que utiliza la tecnología como herramienta para abordar cuestiones profundamente humanas. La memoria, la resiliencia frente a la enfermedad, el diálogo entre tradición y nuevas tecnologías, la relación entre el cuerpo y la máquina o la relectura del paisaje contemporáneo atraviesan las propuestas de una edición que invita al público a descubrir nuevas formas de percepción y experiencia compartida.

Lejos de entender lo digital como un fin en sí mismo, las propuestas de L.E.V. Matadero utilizan la innovación tecnológica como lenguaje desde el que imaginar nuevos espacios de encuentro, escucha y transformación.

Espectáculos en directo y performances audiovisuales

L.E.V. Matadero dará comienzo el jueves, 17 de septiembre, a las 20:30 horas, con una de las propuestas más esperadas de esta edición: el estreno en España de Last and First Men, la adaptación escénica de la aclamada película experimental de Jóhann Jóhannsson, inspirada a su vez en la novela homónima de ciencia ficción escrita por Olaf Stapledon (1930). La compañía británica Neon Dance convierte el imaginario de la película en un espectáculo que fusiona cine en 16 mm, danza contemporánea, la voz de la polifacética artista Tilda Swinton como narradora y una envolvente banda sonora de Jóhannsson y Yair Elazar Glotman para trasladar al escenario una poderosa reflexión sobre el futuro de la humanidad.

La programación del viernes 18 reunirá a tres referentes de la creación sonora contemporánea. Figura esencial de la música experimental española, Suso Saiz ofrecerá un directo gratuito en Plaza Matadero marcado por guitarras, texturas y paisajes sonoros. La actividad se realizará en dos pases (a las 19:00 y 21:00 h) empleando un sistema de sonido de auriculares inalámbrico. A las 20:30 h, el compositor escocés Drew McDowall —figura clave de la música experimental y exmiembro de Coil y Psychic TV— presentará junto al cineasta portugués Pedro Maia un espectáculo audiovisual donde la composición electroacústica y el cine experimental dialogan en tiempo real. A continuación, Kyria Libia estrenará su último trabajo, El arrobamiento, una propuesta en torno a la música sacra desarrollada en el Centro de residencias artísticas (CRA) de Matadero Madrid que entrelaza la mística y la electrónica.

La jornada del sábado, 19 de septiembre, dará comienzo, a las 20:30 h, con la presentación en España de Calligraton, el espectáculo en directo desarrollado por el dúo Schnitt en colaboración con la calígrafa japonesa Aoi Yamaguchi, en el que el arte del ‘shodō’ cobra vida en escena en diálogo con la electrónica experimental. A continuación, el compositor y artista digital Milian Mori ofrecerá un intenso directo audiovisual marcado por visuales estroboscópicos que llevará el baile a terrenos insospechados.

El domingo 20, a las 20:30 h, la pianista y productora neoyorquina Kelly Moran regresará a L.E.V. Matadero para presentar su álbum Don’t Trust Mirrors, un viaje introspectivo donde el piano y los sintetizadores son los protagonistas. La programación concluirá con el artista japonés NAO, que estrena en España THE CLUSTERs, una performance que fusiona danza, robótica, sonido e imagen en tiempo real, dando forma a un fascinante diálogo entre el cuerpo humano y la máquina.

Territorios de la memoria en la sección Vortex

En esta edición, L.E.V. Matadero apuesta de nuevo por proyectos interactivos de realidad virtual, mixta y aumentada con los que redescubrir el mundo y a uno mismo, con propuestas donde la experiencia íntima se piensa desde lo colectivo. Los diferentes proyectos de la sección Vortex podrán disfrutarse en dos espacios, la Central de Diseño y el Terrario.

Una de las propuestas destacadas de la selección es [“Á”1653 “gora” 23035], la nueva pieza del creador digital Carles Castaño producida por Servicios Inmersivos, que se estrena en L.E.V. Matadero. Una instalación inmersiva e interactiva en realidad mixta que nos enfrenta al recuerdo de nuestro propio planeta desde una posición incómoda: ¿y si los extraterrestres somos nosotros?

Desde Bélgica, los creadores Kate Voet y Victor Maes se suman a la sección Vortex con la propuesta A Long Goodbye, una experiencia de realidad virtual que explora el impacto de la demencia desde la intimidad de una historia de amor. Ganadora del Venice Immersive Achievement Prize en la pasada Bienal de Venecia, la pieza convierte la memoria en un espacio habitable y reflexiona sobre los vínculos que perduran más allá de la enfermedad.

El público podrá disfrutar también de Chronica V1, una experiencia que entrelaza lo artesanal y lo tecnológico a partir de las técnicas tradicionales de fabricación de papel. Barbara Mydlak y Yann Deval nos invitan a participar en la construcción de un archivo vivo que evoluciona con cada interacción, en un viaje sensorial por la memoria, la enfermedad y los procesos de sanación.

Circuito de instalaciones audiovisuales

L.E.V. Matadero programa en el espacio Taller la instalación audiovisual inmersiva Puppet, desarrollada por el estudio 1024 Architecture en colaboración con el productor francés Vitalic. La pieza, que también se estrena por primera vez en nuestro país, propone un acercamiento lúdico a la composición musical a través de la manipulación de una suerte de marioneta que genera ritmos y melodías a cada movimiento. Una oportunidad para la creación sonora en directo a medio camino entre el juego y la performance.

La sala Plató de Cineteca Matadero además el estreno en España de H U M I, uno de los nuevos trabajos de Riccardo Giovinetto, en el que el artista audiovisual, compositor y físico italiano reflexiona sobre el concepto de frontera como espacio en constante transformación. Una experiencia sensorial que entrelaza imágenes satélite y paisajes sonoros para construir geografías imaginarias que invitan a repensar la configuración del mundo contemporáneo. El proyecto se extiende por el espacio de Matadero a través de una actividad en realidad aumentada.

El público infantil también tendrá su espacio en la Nave Una de la mano del estudio checo Initi, con su juego interactivo Playground, un sistema que convierte cualquier pared en un espacio para el juego colectivo y la experimentación.

Un encuentro profesional para repensar el futuro de las XR

Como antesala del festival, del miércoles 16 al viernes 18 de septiembre, L.E.V.

Matadero acogerá ‘XR Camp. Habitar lo virtual: nuevas formas de pensar las realidades extendidas’. Un encuentro profesional vinculado al proyecto europeo Realities in Transition (RiT2), la comunidad dedicada a investigar nuevas formas de creación, producción y pensamiento en torno a la Realidad Extendida (XR).

El Aulario de Matadero Madrid acogerá dos actividades abiertas al público el jueves, 17 de septiembre. A las 12:00 h tendrá lugar el taller ‘Anatomía de una pieza inmersiva: cómo se construyen las realidades extendidas’, impartido por el artista Carles Castaño, que propone una introducción accesible a las tecnologías XR, recorriendo de forma práctica las distintas fases de creación de una experiencia inmersiva. La actividad está recomendada para mayores de 15 años y se requiere inscripción previa a través de este formulario.

Esa misma tarde, a las 17:00 h, dará comienzo la mesa redonda ‘¿Cómo abordar las tecnologías XR? Accesibilidad, formatos y políticas de distribución’, que reunirá a artistas y profesionales para abordar los retos de distribución y acceso al arte XR. Los participantes compartirán experiencias sobre su presentación ante públicos diversos y explorarán cómo ampliar su accesibilidad sin renunciar a la experimentación artística. Moderada por Marie Pont, directora de la agencia de producción artística Dark Euphoria, la sesión contará con la participación de Elena Carbajal (Onkaos), Diego Iglesias (MMMAD) y los artistas Irene Molina y Carles Castaño. La actividad es de acceso libre y gratuito con aforo limitado.

El Festival de Electrónica Visual y Realidades Extendidas, organizado por Matadero Madrid, está comisariado por L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual y Realidades Extendidas), y cuenta con la colaboración de Centro Danza Matadero, Cineteca Madrid y Centro de residencias artísticas, así como con la participación de Central de Diseño. El festival cuenta con el apoyo del proyecto europeo Realities in Transition (RiT2) y con Radio 3, OCI Magazine, Clot Magazine y Metal Magazine como medios asociados. La identidad visual corre a cargo de Iván Puñal.

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Los estanques presentan su nuevo single «Ya te vale»

Almu de Andrés — Thu, 03 Sep 2026 06:30:01 +0000

LOS ESTANQUES, la banda liderada por Íñigo Bregel, publican «Ya te vale«, primer single de su nueva etapa junto a Calaverita Records —anunciada el pasado julio— y primera muestra de su POP LIBRE: una forma de componer que reúne todo su bagaje sin someterse a etiquetas ni a fronteras entre géneros.

“Esta canción ocupa un lugar muy especial dentro del disco, por eso, entre otras cosas, sale como primer single. Es el capítulo III de un disco que habla del desencanto social de la banda: personas y entidades con las que han tenido que lidiar, ellos y su entorno, a lo largo de su carrera. Con esta canción, de estribillo pegadizo y alegre, LOS ESTANQUES muestran la primera de las quince canciones de su nuevo disco.” — LOS ESTANQUES

«Ya te vale»toma prestada una expresión muy española: la del reproche cariñoso, esa mezcla de hartazgo y ternura con la que se cierra una historia sin rencor. Y es exactamente lo que cuenta la canción: un desencanto amoroso, una relación construida sobre pilares débiles y un enamoramiento puramente químico, narrado sin embargo desde el pasado y desde el alivio de haberlo superado. Ese contraste —el peso de la historia frente a la ligereza de cómo se cuenta— encarna el POP LIBRE de LOS ESTANQUES: un estribillo pegadizo y luminoso, una parte coral final inspirada en Pastor T. L. Barrett y un pulso que remite directamente a “Rocks Off” de The Rolling Stones.

POP LIBRE PARA UNA NUEVA ETAPA

«Ya te vale» marca el regreso de LOS ESTANQUES a su propia voz después de dos proyectos colaborativos que han definido su trayectoria más reciente: “Burbuja cómoda y elefante inesperado”, junto a Anni B Sweet, y “Lágrimas de plomo fundido”, el disco grabado junto a El Canijo de Jerez que la crítica especializada recibió como una de las fusiones más inspiradas del año —rock andaluz, flamenco y psicodelia conviviendo con naturalidad, valorado con un 9 sobre 10 por Mondosonoro—. Tras ese viaje compartido, la banda vuelve ahora a componer y a cantar en primera persona, con un pop-rock directo, de raíz británica y estribillo inmediato.

Este primer adelanto abre el camino hacia el nuevo álbum de LOS ESTANQUES: quince canciones planteadas como capítulos que reúnen historias de desencanto vividas por la banda y su entorno a lo largo de su trayectoria. A la vez, el disco condensa todo el bagaje musical acumulado en años de carretera, escenario, estudio y colaboración con otros artistas. El POP LIBRE funciona así como hilo conductor de los singles y del álbum completo: no un género cerrado, sino una declaración de independencia creativa.

«Ya te vale» será el primero de cuatro singles que irán construyendo este universo antes de su publicación en el mes de noviembre.

SOBRE LOS ESTANQUES:

LOS ESTANQUES son una banda liderada por el músico cántabro Íñigo Bregel, afincada entre Santander y Madrid y nacida en torno a 2016-2017. Su propuesta se caracteriza por una gran libertad musical: melodía pop, rock, psicodelia y música progresiva conviven sin fricciones, con Soft Machine, Gong, Caravan o Genesis entre sus referencias declaradas.

Debutaron en 2017 con “Contiene Percal” y continuaron con “II” y “Los Estanques”, antes de profundizar en su lado más progresivo con “IV”. Junto a Anni B Sweet firmaron “Burbuja cómoda y elefante inesperado”, reconocido con cinco Premios MIN, y publicaron también “UVE”. Su trabajo más reciente, “Lágrimas de plomo fundido”, lo grabaron junto a El Canijo de Jerez.

Tras ese viaje compartido, la banda vuelve ahora a componer y cantar en primera persona. Lo hace desde el POP LIBRE: melodía, rock, psicodelia, progresivo y espíritu coral conviviendo con la misma naturalidad, sin jerarquías ni corsés.

Formación: Íñigo Bregel (voz, teclado, guitarra), Germán Herrero (guitarra), Daniel Pozo (bajo), Andrea Conti (batería) y Amaia Bregel (coros, teclados y guitarra acústica).

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Espacio Abierto estrena temporada con dos festivales de literatura y de microedición

Almu de Andrés — Thu, 03 Sep 2026 06:23:55 +0000

Espacio Abierto Quinta de los Molinos, el centro cultural para la infancia y la adolescencia del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá en septiembre dos festivales en los que las letras y los libros serán protagonistas: el festival de literatura infantil FLIC y el festival de microedición Tinta de los Molinos.

El primero en llegar, los días 19 y 20 de septiembre, será FLIC, que llega por segundo año consecutivo a Espacio Abierto. La iniciativa, impulsada por Tantàgora, invita a familias con niños de 3 a 12 años a explorar la literatura a través de talleres, instalaciones y escenografías de juego en un recorrido por varias estaciones como ‘¡A jugar!’, con juegos de mesa diseñados por Bruno Munari, Enzo Mari o Elena Odriozola; ‘Primeras literaturas’, un espacio con tipis, telas y libros para leer jugando; e ‘Historias de papel’, donde los pequeños teatros japoneses de papel kamishibai dan vida a los cuentos.

Además, para los más pequeños, de 3 a 5 años, se han diseñado las estaciones ‘Tres amigos: Círculo, Cuadrado y Triángulo’, la trilogía de Mac Barnett y Jon Klassen llevada a escena por Gomets i Colors; ‘Escucho y dibujo’, una instalación que transforma la escucha en dibujo; y ‘Libro acordeón’, para fabricar y compartir un libro secreto antes de dormir.

Y, para niños de 6 a 12 años, las estaciones ‘Bestiario’, en la que inventarán criaturas literarias; ‘Libro combinado’, taller con la ilustradora Belén Perea para crear una obra colectiva en familia; y ‘Escucho y dibujo’, instalación donde las palabras cobran vida, las imágenes se transforman y la lectura se convierte en un puente entre lo escrito y la imaginación de quien escucha para reinventar los libros.

Habrá dos sesiones del festival cada día, una de mañana, de 11:00 a 14:00 horas, y otra de tarde, de 16:00 a 19:00 h.

Microedición y juego narrativo

La segunda propuesta en llegar será Tinta de los Molinos. Festival de Microedición para Gigantes y Pequeños, creado por Colectivo HUL para Espacio Abierto Quinta de los Molinos. La cita tendrá lugar el 27 de septiembre.

Durante la jornada, las familias con niños a partir de 5 años podrán participar en talleres de creación de fanzines con cinco colectivos y artistas de la escena alternativa editorial madrileña: AY Ediciones, Kit Caníbal, Marta Quijano, Paw Salcés y Ruango. Habrá también un espacio expositivo denominado ‘SFW. Solo Fanzines Ways’, en el que se mostrará una selección de publicaciones independientes para todos los públicos, desde el cómic y el collage a libros de artista. La jornada se cerrará con el pequeño duelo escénico participativo ‘Gigantes y Molinos,’ que combinará dinámicas de literatura lúdica, teatro de improvisación y dibujo en vivo.

El festival celebrará una sesión de mañana, de 11:00 a 13:00 h, y otra de tarde, de 16:30 a 18:30 h.

‘En pijama’

Hasta el día 13 de septiembre continuará el festival de verano ‘En pijama’, que incluye el gran vestidor surrealista ‘Donde duermen los tejidos’, de la artista Ana Almenara; el gabinete de creación colectiva ‘Sueños de verano’, los relatos inesperados de ‘La hora del cuento’ y el espacio de juego blandito para primera infancia ‘Arrullos’.

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Manuel de la Luz prepara la llegada de «De Raíz», su nuevo álbum

Almu de Andrés — Thu, 03 Sep 2026 06:20:05 +0000

Manuel de la Luz se prepara para dar a conocer De Raíz, su nuevo trabajo discográfico, que verá la luz el próximo 18 de septiembre. El álbum llega después de la publicación de dos adelantos que han permitido descubrir progresivamente esta nueva etapa del guitarrista onubense: ‘Mi Vals’, publicado en junio, y ‘Herencia de mis mayores’, segundo single estrenado en julio.

Con De Raíz, Manuel de la Luz vuelve a situar la guitarra en el centro de su propuesta artística para construir un recorrido por diferentes palos del flamenco desde una perspectiva contemporánea, pero estrechamente vinculada a la tradición. El álbum representa un regreso a la esencia y a las raíces musicales que han acompañado su trayectoria, con la identidad y la memoria de los grandes maestros como punto de partida.

Una trayectoria ligada a la guitarra y a algunos de los grandes nombres del flamenco

Nacido en Huelva en 1980, Manuel de la Luz ha desarrollado una trayectoria vinculada a la interpretación, la composición y la producción musical. A lo largo de su carrera ha acompañado a artistas como Carmen Linares, Arcángel, La Susi, Lole Montoya o Miguel Poveda, entre muchos otros muchos grandes de la música, además de formar parte desde 2004 de los proyectos del Ballet Flamenco de Eva Yerbabuena.

Esta experiencia le ha llevado a actuar en escenarios internacionales de referencia como el City Center de Nueva York, el Palacio de Bellas Artes de México, la Ópera de Sídney, el Teatro Chaillot de París o el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Como solista, ha participado en diferentes ediciones de la Bienal de Flamenco de Sevilla y la Bienal de Málaga y ha presentado espectáculos propios como Entreluces. Su discografía incluye De la Luz (2015), situado entre los mejores álbumes flamencos del año, y Mi Clave (2020), trabajo en el que contó con la colaboración de Lole Montoya y Rafael Riqueni.

Su faceta como productor también ocupa un lugar destacado en su trayectoria, especialmente junto a Rafael Riqueni, con quien participó en Herencia (2021), nominado al Latin Grammy al Mejor Álbum Flamenco, y Nerja (2025), nominado a los Premios de la Música. En 2022 produjo además el debut discográfico de la cantaora onubense Olivia Molina, Hijos del Corazón.

Concierto de presentación de De Raíz en la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla

Apenas dos días después de la publicación de De Raíz, Manuel de la Luz regresará a uno de los escenarios fundamentales de su trayectoria. El 20 de septiembre, dentro de la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla, será el estreno mundial de este nuevo trabajo discográfico en el que coincidirá con Manuel Imán dentro del espectáculo ‘Manos que hablan’.

‘Manos que hablan’ reunirá a dos guitarristas procedentes de universos musicales diferentes que encuentran en las seis cuerdas un territorio común. Manuel de la Luz aportará su lenguaje flamenco, construido desde la tradición y su identidad onubense, mientras que Manuel Imán —figura fundamental del rock andaluz y pionero de la fusión— incorporará su experiencia en la guitarra eléctrica y acústica y sus vínculos con el blues y el jazz.

El encuentro plantea así un diálogo entre dos formas de entender la guitarra y dos generaciones de la música andaluza, que terminará con Manuel de la Luz y Manuel Imán juntos en el escenario interpretando juntos algunos temas.

MANUEL DE LA LUZ ARRANCA SU TEMPORADA

18 de septiembre de 2026 – Publicación de su nuevo disco De Raíz

20 de septiembre de 2026 – Manuel de la Luz + Manuel Imán, ‘Manos que hablan’ en la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla

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La banda chilena Gondwana y Quique Neira actuarán en España

Almu de Andrés — Thu, 03 Sep 2026 06:15:43 +0000

GONDWANA, la banda más representativa del reggae cantado en español, regresa a España con dos esperados conciertos: el 6 de octubre en la sala La Riviera de Madrid y el 7 de octubre en la sala Razzmatazz 1 de Barcelona. Tras 23 años de espera, ambas fechas supondrán el reencuentro con Quique Neira, vocalista original del grupo, en sendos conciertos en los que la formación chilena repasará los temas más emblemáticos de su carrera.

EL REENCUENTRO

Fundada en Chile por I-Locks Labbé, GONDWANA alcanzó proyección internacional a finales de los años 90 con la incorporación de Quique Neira como vocalista y compositor. Juntos dieron vida a algunos de los mayores clásicos del reggae latino —“Sentimiento Original”, “Armonía de Amor”, “Chainga Langa”, “Antonia” o “Verde, Amarillo y Rojo”—, logrando múltiples discos de platino y expandiendo su música a mercados internacionales.

Tras la salida de Neira en 2003, ambos continuaron con exitosas trayectorias por separado: mientras el vocalista consolidó una destacada carrera solista con giras por América, Europa y Oceanía, GONDWANA mantuvo intacto su prestigio como una de las grandes bandas del reggae en español, actuando en festivales como Vive Latino, Lollapalooza, Rototom Sunsplash, California Roots y Reggae on the River.

23 años después, ambos vuelven a compartir escenario para repasar juntos los himnos que marcaron una época del reggae latinoamericano.

MADRID, DENTRO DE LAS NOCHES DE RÍO BABEL

El concierto de Madrid, el 6 de octubre en La Riviera, forma parte de Las Noches de Río Babel, el nuevo ciclo de conciertos que el equipo del festival Río Babel ha puesto en marcha para llevar la música en español a las salas de la capital entre septiembre y noviembre de 2026. La cita de Barcelona, el 7 de octubre en Razzmatazz 1, no forma parte de este ciclo.

Datos de los conciertos:

Martes, 6 de octubre de 2026 * MADRID * La Riviera * 20:00h
La Riviera · P.º Bajo de la Virgen del Puerto, 28005, Madrid
Entradas: ticket.deputamadreclub.eu/gondwana-madrid-06-octubre/

Miércoles, 7 de octubre de 2026 * BARCELONA * Razzmatazz 1 * 20:00h
Razzmatazz 1 · C. dels Almogàvers 122, 08018, Barcelona
Entradas: ticket.deputamadreclub.eu/gondwana-barcelona-07-octubre

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