Chicle lanza con «Me vuelvo a torcer», el nuevo single del power-trio formado por Álvaro Benito, Héctor Navío y Juan Zurdo. Esta nueva canción habla directamente sobre la necesidad de dar un paso al frente para salir de la zona de confort, planteando una reflexión sobre cómo, a menudo, las personas nos acostumbramos a lo que nos pasa o a lo que tenemos.

A nivel musical y de letra, el tema envuelve el inconfundible aliento melódico de la banda en un sentimiento agridulce, salpicado metafóricamente con galletas de la fortuna. Con este lanzamiento directo y contundente, el grupo madrileño avanza en su nueva etapa y consolida la evolución sonora respecto a su álbum debut, La Belleza (2024).

Chicle: 
Hay grupos que aparecen para llenar un hueco que no sabíamos que existía. Chicle es el proyecto vital de Álvaro Benito (voz y guitarra), Héctor Navío (bajo) y Juan Zurdo (batería). Forjado a fuego lento en la intimidad del local de ensayo y alejado del ruido mediático, el grupo nació con una premisa innegociable: rock.

Lo que comenzó con un EP homónimo y se consolidó con su primer LP, «La Belleza», ha evolucionado hasta convertirse en una maquinaria rítmica perfecta. Su música se caracteriza por guitarras crujientes, una sección rítmica que actúa como una apisonadora y estribillos que conectan de inmediato.

Chicle no hace prisioneros. Sus letras son un ajuste de cuentas emocional, donde la honestidad se funde con un sonido completamente orgánico que, sin embargo, suena más actual que nunca. El rock está vivo, y ellos son la prueba definitiva.

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El trío barcelonés Jardín di Trío da un paso firme en su evolución artística con “Traslación”, un nuevo EP que recoge su momento más introspectivo y sólido hasta la fecha. Compuesto por cuatro canciones —entre ellas los adelantos “Septiembre”, “Brindemos” y “Hasta ahora todo va bien”— el trabajo se completa con el tema inédito “Baila entre las olas”, focus del disco y eje emocional del lanzamiento.

En “Traslación”, la banda plantea un recorrido que toma como referencia las estaciones del año como metáfora de los ciclos vitales. Cada canción representa un estado distinto: cambio, duda, celebración o resistencia, reflejando cómo en un breve periodo de tiempo pueden concentrarse procesos emocionales intensos y transformadores. No es solo una colección de temas, sino un tránsito: una sucesión de fases donde todo se mueve, muta y se redefine.

Fieles a su identidad dentro del rock alternativo en castellano, Jardín di Trío profundizan aquí en un sonido más compacto y definido, dando continuidad a la línea evolutiva iniciada en sus anteriores trabajos. La producción —autogestionada por la propia banda— refuerza esa sensación de cohesión, con una propuesta que equilibra intensidad y sutileza.

En este contexto, “Baila entre las olas” emerge como el punto de equilibrio del EP. La canción ahonda en la contradicción entre la vulnerabilidad y la fortaleza interior, con una letra que transita entre la herida y la reconstrucción. Versos como “Dónde estará toda la paz que nos prometieron?” o “Y qué suerte estar aquí, el suelo vuelve a latir” encapsulan ese instante en el que, tras el impacto, uno decide seguir adelante.

Musicalmente, el tema se apoya en una atmósfera envolvente y una tensión contenida que crece de forma orgánica, acompañando el viaje emocional de la letra. Hay en su desarrollo una sensación de oleaje constante, de inestabilidad asumida, que conecta con la idea central del EP: aprender a moverse dentro del cambio.

El resto de canciones encuentran ahora un nuevo sentido dentro del conjunto. “Septiembre” captura la nostalgia y el paso del tiempo; “<Brindemos” propone una celebración agridulce del presente; y “Hasta ahora todo va bien” se adentra en el vértigo de la incertidumbre. Juntas, funcionan como estaciones de un mismo recorrido emocional que desemboca en “Baila entre las olas” como cierre y síntesis.

Jardín di Trío son César Bonastra (guitarra y coros), Siscu García (bajo y voz principal) y Javier Nieto (batería), tres músicos que han ido definiendo un sonido propio dentro de la escena independiente. Tras su EP debut homónimo “Jardín di Trío” (2021) y su segundo trabajo “Donde nunca nadie” (2024), el grupo consolida en “Traslación” una propuesta más madura, honesta y cohesionada.

Con este nuevo lanzamiento, la banda no solo reafirma su identidad sonora, sino que propone una mirada generacional sobre la incertidumbre contemporánea: vivir sin certezas, atravesar distintas etapas en poco tiempo y encontrar, incluso en medio del cambio, un lugar donde seguir respirando. “Baila entre las olas” no es solo una canción, es una declaración de intenciones: aceptar el movimiento, abrazar la transición y, pese a todo, seguir bailando.

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Este nuevo showcase cuenta con la colaboración especial de la artista aragonesa Ester Vallejo, cantautora en crecimiento dentro de la escena nacional, cuya aportación vocal y sensibilidad interpretativa se convierten en un elemento clave para dotar al proyecto de una dimensión emocional renovada.

El estreno tiene lugar hoy, 16 de abril a las 20:00h en YouTube, donde el público podrá descubrir esta nueva sesión.

Reconocidos por su potente fusión de folk metal, que combina ritmos y melodías tradicionales con la energía del rock y el metal, Salduie se ha consolidado como una de las propuestas más singulares de la escena metal nacional. En 2026, la banda continúa expandiendo su identidad artística explorando nuevas formas de conexión con el público y desarrollando formatos alternativos que amplían su propuesta musical.

Este formato acústico permite redescubrir sus composiciones desde una sensibilidad diferente, manteniendo la esencia épica y folklórica que define al grupo, pero con arreglos más orgánicos, cercanos y emocionales. En esta sesión, la presencia de Ester Vallejo cobra especial relevancia, aportando matices vocales que refuerzan la conexión con la raíz más tradicional y emocional del repertorio.

Este lanzamiento llega en un momento clave para la banda, tras una intensa etapa marcada por su proyección internacional con una gira en México y destacadas colaboraciones con referentes del género como Mägo de Oz y Saurom, consolidando su posicionamiento dentro del panorama del folk metal.

La participación de Ester Vallejo no solo añade valor artístico, sino que se integra de forma natural en la propuesta, reforzando el equilibrio entre tradición, emoción y contemporaneidad. Su intervención contribuye a potenciar el carácter narrativo y atmosférico del espectáculo, elevando la experiencia global de este nuevo showcase acústico.

Con este nuevo lanzamiento, Salduie reafirma su compromiso con la evolución dentro del folk metal, consolidando el formato acústico como una extensión natural de su identidad artística y ofreciendo una reinterpretación honesta y emocional de su repertorio.

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La banda de melodic death metal Northborn regresa con su nuevo single y lyric video, “Yokai Of The Lake”, extraído de su próximo álbum homónimo Northborn, cuyo lanzamiento está previsto para el 22 de mayo de 2026 a través de Art Gates Records.

Con “Yokai Of The Lake”, la banda se adentra en una oscura y trágica historia inspirada en el folclore oriental. Un relato de amor, traición y venganza que trasciende la propia muerte. Lo que comienza como un romance condenado pronto se transforma en algo mucho más siniestro, cuando un espíritu inquieto emerge desde las profundidades, ligado a un destino maldito.

Combinando un riffing afilado de melodic death metal con atmósferas inquietantes, el tema captura la esencia del sonido de Northborn: un equilibrio entre agresividad y melodía donde la narrativa juega un papel central, sumergiendo al oyente en su historia fantasmal.

“Nuestra historia te transporta a un oscuro relato del Lejano Oriente, donde la historia de amor de una joven pareja termina abruptamente en un asesinato atroz. Sin embargo, ahí no acaba todo, sino que da paso a un nuevo y perturbador comienzo. Sumérgete en las esotéricas y bellamente inquietantes melodías de una historia de dolor espectral que te arrastra hacia el turbio final donde todo comenzó.”

El lyric video refuerza esta atmósfera mediante un enfoque visual inmersivo y animado, dando vida a la leyenda de la Dama Yokai: un espíritu atrapado entre mundos que llama desde el lago cubierto de niebla donde su destino quedó sellado.

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RAMONETS estrena “La Meua Lluna» junto a Miquel Gil. Con esta canción la banda intenta trasladar un mensaje de ternura, compañía y tranquilidad, ideal para acompañar a los más pequeños durante el momento de dormir. Con un enfoque en la protección y el vínculo maternal o paternal, la letra presenta a la luna como una figura entrañable que ilumina los sueños y crea un ambiente relajado y seguro.

Miquel Gil (Catarroja, 1956) es un destacado cantante y compositor, figura clave en la renovación de la música popular y folk valenciano. Co-fundador del grupo Al Tall en 1975, emprendió una exitosa carrera en solitario desde 1984, fusionando tradición mediterránea con toques contemporáneos y electrónicos, como en su último álbum «Viatger».

RAMONETS estrena “La Meua Lluna» al costat de Miquel Gil. Amb aquesta cançó la banda intenta traslladar un missatge de tendresa, companyia i tranquil·litat, ideal per a acompanyar als més xicotets durant el moment de dormir. Amb un enfocament en la protecció i el vincle maternal o paternal, la lletra presenta a la lluna com una figura entranyable que il·lumina els somnis i crea un ambient relaxat i segur.

Miquel Gil (Catarroja, 1956) és un destacat cantant i compositor, figura clau en la renovació de la música popular i folk valencià. Co-fundador del grup Al Tall en 1975, va emprendre una exitosa carrera en solitari des de 1984, fusionant tradició mediterrània amb tocs contemporanis i electrònics, com en el seu últim àlbum «Viatger».

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El grupo barcelonés lanza un nuevo sencillo incluido en su próximo álbum «Sube Sube» explorando los límites entre la inocencia y el deseo, con una narrativa íntima y evocadora. Cristales Rotos, banda emergente de la escena independiente de Barcelona, presenta “Dos niños”, un nuevo sencillo que se adentra en los territorios más delicados del amor temprano: ese espacio donde la inocencia convive con la intensidad emocional y lo prohibido se convierte en descubrimiento. El tema forma parte de su próximo trabajo discográfico, “Sube sube”, un álbum que apunta a consolidar la identidad sonora y narrativa del grupo.

Con una sensibilidad que conecta directamente con el oyente, “Dos niños” retrata una historia de amor juvenil marcada por la urgencia, la pureza y la fragilidad. La canción se construye a partir de una narrativa sencilla pero profundamente evocadora: dos jóvenes que juegan a ser amantes, ajenos a las normas, entregados a un vínculo tan intenso como inevitable.
“Son solo dos niños jugando a ser amantes / viviendo mucho antes…”
En lo musical, la banda despliega una sensibilidad que conecta con distintas tradiciones sin perder identidad propia. Hay en “Dos niños” una forma de narrar que remite a la elegancia melódica de Dire Straits, mientras que su carga poética y emocional evoca el universo de El Último de la Fila. A esto se suma, en determinados matices armónicos y en la sutileza de algunos pasajes, una influencia más inesperada cercana a la libertad expresiva de Chick Corea.

Musicalmente, Cristales Rotos refuerzan esta narrativa con una producción cuidada que apuesta por la emoción directa. Su sonido, enmarcado dentro del indie pop/rock nacional, se caracteriza por melodías accesibles, arreglos delicados y una interpretación vocal que prioriza la cercanía frente al artificio. El resultado es una canción que fluye con naturalidad, acompañando el relato sin imponerse sobre él.

“Dos niños” también introduce un matiz de pérdida y nostalgia que amplía su lectura. A medida que avanza la canción, aparece la ausencia —la posibilidad de que ese vínculo se rompa—, añadiendo una capa emocional que transforma el recuerdo en algo aún más significativo: “No podía entender que un día le faltara / la estrella de su vida…” Este contraste entre la plenitud del presente y la amenaza de la pérdida convierte el tema en una pieza especialmente honesta, donde la vulnerabilidad no se oculta, sino que se expone como parte esencial del relato.

Formados en Barcelona, Cristales Rotos continúan consolidando su identidad dentro del circuito independiente estatal, «Sube sube» se perfila como un paso adelante en su trayectoria, reuniendo canciones que profundizan en su universo emocional y sonoro, donde la narrativa y la conexión directa con el oyente siguen siendo el eje central.

Con este lanzamiento, la banda reafirma su propuesta: un indie emocional, sin artificios, que encuentra en lo cotidiano —y en lo aparentemente simple— su mayor fuerza expresiva.

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Doctor Velvet Revival presenta el próximo jueves 23 de abril su homenaje en directo a Nick Curran. El concierto propondrá una inmersión en el universo musical de Nick Curran y sus principales influencias, a través de una formación que recrea con precisión el sonido y la producción de sus discos más representativos: Doctor Velvet, Player! y Reform School Girl. Un repertorio que, por distintas circunstancias, el propio artista no llegó a trasladar íntegramente al directo.

Desde la banda prefieren mantener en secreto la selección de temas, aunque el lanzamiento de “Baby You Crazy”, carta de presentación del proyecto, deja entrever la intensidad y el carisma que marcarán el espectáculo. Todo apunta a un concierto construido sobre una cuidada y meticulosa elección de canciones, pensado para ofrecer una sucesión de grandes clásicos del repertorio de Curran.

https://entradas.babylonmadrid.com/es/babylon-jazz-club/Doctor-Velvet-Revival/

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Rodrigo Mercado en “Salvaje” vuelve a beber de aquellos manantiales de sus inicios musicales, pero con la experiencia y maestría que el tiempo aporta. Desde el primer acorde el ritmo reggae-ska te va a envolver. No te pierdas el brutal punteo de guitarra, con actitud y carisma carabanchelero (¿Me entiendes? …guiño!, guiño!).

El resultado es una canción pegadiza, contagiosa y totalmente de buen rollo. “Salvaje” es positividad, un chute de vibra buena, una invitación a soltar frenos, a dejarse llevar y a recargar energía, en estos tiempos convulsos, para hacerte ver, que la vida mola. Antes de “Salvaje”, Rodrigo Mercado, anticipó,  hace unas semanas, otro interesante nuevo video-single “Luna de Sal” (ver aquí).

El nuevo disco de Rodrigo Mercado está previsto que se edite, antes de acabar 2026. Producido por Fefe Del Amo (Callahan, Sr.Lobo, Volvoreta, La Locura del Zurdo, …) y masterizado por Miguel Ángel González en Black Box Mastering (Kiko Veneno, Calamaro, O’Funkillo, Triana…). Mientras se van descubriendo nuevas canciones, también se irán celebrando diferentes conciertos como:

Domingo 10 Mayo – Cercedilla. Madrid. Teatro Montalvo.

Viernes 12 Junio – Guadalajara. Música en las Plazas.

Sábado 1 Agosto – Cáceres – Festival Centenera Rock

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El músico granadino Jordan Montero (Bisagra, Srta. Trueno Negro) rompe cuatro años de silencio discográfico con el primer adelanto de su nuevo EP, «Ruptura permanente».

Tras cuatro años de búsqueda sonora, Jordan Montero reactiva su proyecto personal Ysucklove con el lanzamiento del sencillo y videoclip «¿qué sueño estaba siguiendo?». Esta pieza actúa como carta de presentación de «Ruptura permanente», un EP autoproducido de cuatro cortes donde el artista granadino profundiza en su lenguaje más honesto y personal hasta la fecha.

En este nuevo trabajo, Ysucklove despliega una electrónica de paisajes íntimos y melancolía sintética. Bajo un pulso monocromático y el uso de sintetizadores de herencia gélida, Montero construye una atmósfera de honestidad confesional que rehúye de artificios, consolidando una arquitectura sonora marcada por la persistencia del eco y la introspección.

La genealogía del pop granadino reciente no se explica sin la figura de Jordan Montero. Integrante fundamental del dúo Bisagra y bajista en las filas de Srta. Trueno Negro, Montero ha sabido articular un discurso propio donde la melancolía se encuentra con la precisión rítmica. Tras un silencio editorial que se prolongaba desde 2021, el músico retoma ahora su proyecto en solitario bajo el alias de Ysucklove, presentando el sencillo «¿qué sueño estaba siguiendo?». Esta pieza actúa como el primer movimiento de «Ruptura permanente», un nuevo EP compuesto por cuatro cortes que el artista irá desvelando de manera sucesiva. Si en sus anteriores entregas el post-punk y el dream-pop marcaban la pauta, esta nueva etapa profundiza en una electrónica de paisajes íntimos marcada por un pulso monocromático, sintetizadores de herencia gélida y una honestidad confesional que rehúye de cualquier artificio

La composición nace de una reflexión sobre la desorientación emocional, explorando ese territorio fronterizo donde el afecto y la soledad terminan por mimetizarse. «¿qué sueño estaba siguiendo?» es una crónica sobre el extravío personal, una canción que documenta el proceso de buscar a otro para acabar perdiendo el rastro de uno mismo. Musicalmente, el tema se apoya en una producción de texturas sintéticas y atmósferas que refuerzan la idea central del EP: finales que no logran ejecutarse como cierres definitivos, sino que permanecen como estados latentes en el subconsciente. El lanzamiento llega reforzado por una dimensión visual a través de un videoclip que subraya la estética introspectiva y el latido maquinal de esta nueva entrega.

Fiel a una ética de trabajo marcada por la autonomía creativa, el single y la totalidad del EP han sido producidos por el propio Ysucklove, contando de nuevo con la ingeniería de David Sutil en La madre estudios para las labores de mezcla y masterización. Esta alianza técnica garantiza la continuidad sonora de un proyecto que, desde sus inicios con sencillos como «Sola en el espacio» o «Interior», ha evitado la complacencia para centrarse en la crudeza del sintetizador. Con la publicación de este avance, Jordan Montero reafirma su capacidad para transformar la herida en una estructura de pop sintético y sombrío, consolidando a Ysucklove como una de las propuestas más lúcidas del underground nacional actual.

Este primer avance marca el inicio de una secuencia de entregas que completarán la fisionomía de su próximo EP. Una hoja de ruta que confirma a Ysucklove como un proyecto en constante mutación, capaz de dotar de un nuevo sentido a la melancolía sintética. El viaje hacia la «Ruptura permanente» no ha hecho más que comenzar.

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La propuesta de Marshall Flash nace de la creación de canciones y atmósferas desde cero, donde lo emocional y lo intuitivo marcan el camino. Con una estética psicodélica y dinámica, su disco debut, Relativa Sencillez, combina sonidos modernos y vintage, apoyándose en las primeras impresiones y sensaciones como motor creativo. Un enfoque muy ligado al formato stream, hábitat natural donde germinó el proyecto, y que ahora da el salto definitivo al directo.

Energía, electricidad y sentimiento definen el sonido de Marshall Flash, en un universo donde conviven el rock, el pop y la psicodelia, con guitarras y sintetizadores que envuelven letras sinceras y ritmos pegadizos.

Sobre el escenario, Marshall Flash estará acompañado por José David Blanco, César Romero, Fran Hita y Juan M. Sáez, “los hijos de la electricidad”: amigos y grandes músicos que dan forma a un directo potente y vibrante. Juntos presentarán en vivo Relativa Sencillez el próximo jueves 23 de abril, en una cita que promete intensidad, conexión y una descarga sonora sin concesiones.

https://mutick.com/e/marshall-flash-el-perro-club-madrid

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