Crónica Clara Olóndriz 08/04/2026

Foto y Texto: Lucía-Paloma Blázquez de Andrés

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Entrevista a Nat Simons

Entrevistado : Nat SImons

Entrevistadora :Lucía-Paloma Blázquez de Andrés

Hoy está con nosotros Nat Simons, cantante, guitarrista y compositora española de rock que el pasado 19 de marzo presentó en Madrid, en la sala Changó, su nuevo trabajo de estudio, grabado en Nashville, bajo el nombre “Pregúntale a Sarah Connor”.
Este nuevo proyecto es una nueva etapa para Nat Simons que da una gran evolución y un nuevo giro a su carrera musical.

N.E.E.: Bienvenida a Neko Et Eurythmia. Cuéntanos, este nuevo trabajo que has sacado a la luz, bajo el nombre “Pregúntale a Sarah Connor” ¿Qué es lo que te ha resultado más difícil en está nueva etapa?

Nat Simons: Una de las cosas que han sido más complicadas, es encontrar el equipo con el que iba a lanzar este disco y la  espera, que desde que lo grabé hasta que se sacó, ha pasado un año y medio. El coste económico ha sido muy alto para una artista independiente como yo, pero creo que ha merecido la pena. Es muy bonito ver que finalmente todas las decisiones tomadas han sido acertadas, y que después de tanto esfuerzo emocional, económico, y físico está teniendo sus
recompensas. Creo que el proceso que más sufro de un disco es todo lo que pasa cuando ya se
ha grabado, hasta que sale a la luz.

N.E.E.: ¿Tiras de ironía o sarcasmo con el titulo de este nuevo álbum y Por qué?

Nat Simons: El disco ya tiene bastante ironía en las canciones. Me gusta de vez en cuando jugar con la irreverencia, tengo también bastante sentido del humor, aunque sea en forma de critica, tal vez es una faceta que no se conoce mía, la gente me ve haciendo un estilo y unas canciones tan profundas que se deben de creer que soy más seria que una seta, pero todo lo contrario.
En el arte me gusta cuando además te hace pensar, y no hay nada mejor que usar el humor para que la gente se enganche a algo y escuche. El titulo transmite muchos mensajes a la vez, pasado, presente y futuro, la resistencia humana ante un presente distópico, la reivindicación de lo orgánico frente a la maquina, la nostalgia, el futuro incierto y con miedo a lo apocalíptico.
Sarah Connor también era un personaje incomprendido y ¿que hay más incomprendido que alguien haciendo rock en este país? Creo que todos aquí somos un poco Sarah Connor.

N.E.E.:  Como todos nuestros espectadores saben, Sarah Connor es un personaje de ficción de la saga Terminator ¿Esté álbum tiene guiños cinematográficos que recuerden otras películas? ¿Los singles que componen este álbum nos hacen pensar qué es ficción de lo  qué es realidad?

Nat Simons: Es todo realidad, pura realidad. Aunque en alguna ocasión, como es el ejemplo de Alain Delon, nombre a un personaje de ficción para personificar un estereotipo real. Lo bonito es que nos rodeamos constantemente de referentes de la cultura pop, están en nuestro día a día y eso es lo que hace también que tengamos nostalgia por ciertas cosas del pasado, gente de mi
generación y otras. Pero la nuestra tiene algo especial con el pasado. Somos nostálgicos por  naturaleza.

N.E.E.: Hoy en día nos enfrentamos a la Inteligencia Artificial, nos la meten por todas partes, hasta en la sopa, ¿En el sector de la música crees que en un futuro podría llegar a sustituir a los compositores o a cualquier músico con su instrumento musical?

Nat Simons: Yo creo que ya se están sustituyendo a los compositores, ya es algo que está pasando. Hay muchas televisiones o programas que tiran de IA para componer sus sintonizas. Si te refieres en directo también pasará, como sucede con la música lanzada. Lo que espero es que no nos llegue a sustituir del todo, que la gente también demande lo orgánico, puede que incluso se convierta en algo gourmet escuchar música hecha por humanos. Yo siempre digo que mientras la IA nos sirva como una herramienta no lo veo mal, pero que no desaparezca lo humano totalmente, porque creo que es mucho más que eso, estaríamos perdiendo algo casi esencial  en nuestra naturaleza, que a nivel mental no creo que sea muy sano, parece como que casi nos llevaría a la extinción, a perdernos, a desaparecer poco a poco.

Aun así tengo esperanza en la humanidad. El otro día fui a una tienda de discos y había muchos
chavales y chavalas muy jóvenes mirando discos de vinilo.

N.E.E.:  Tras tu larga trayectoria musical, empezaste cantando en inglés, en tu anterior etapa cantabas en castellano, y ahora decides cantar en castellano antes que en inglés ¿Por qué decides cantar en castellano? ¿Sientes que te hace más cercana al público?

Nat Simons:  Bueno al final es lo natural, empecé cantando en ingles porque principalmente cuando escribí mis primeras canciones vivía en Londres y además toda la música que escuchaba era en inglés y mi estilo que al principio era muy folk rock encajaba de maravilla en ese idioma, en su métrica. Con el paso del tiempo vuelvo a España y han pasado bastantes años para encontrar mi voz en mi idioma natal. Sin dejar de pensar que soy bastante auto exigente con el tema de las letras y tenía que encontrar también la manera de expresarme que realmente encajara conmigo y mi personalidad. Después de girar con Loquillo y colaborar con diferentes compositores y artistas de aquí, empecé a encontrarme a gusto con mi voz en castellano. Y esverdad que había momentos en la gira de Loquillo que me daba mucha pena que la gente no me entendiera, porque mis canciones siempre han tenido mensajes un tanto reivindicativos, de querer hacer reflexionar, muchas cosas emocionales también se perdían por no entenderme, sentimientos profundos que podrían hacer empatizar a la gente y no hay cosa que más feliz me haga que alguien me diga que se siente identificado con una letra o que ha hecho suya tal canción.

N.E.E.: Uno de los temas del álbum es Nieve en el desierto, y cuentas con la participación de
Depedro ¿Cómo fue ese momento en el que te pones en contacto con él para que forme parte de este single?

Nat Simons: Fue muy bonito. Jairo es una persona increíble además de un artista de un nivel altísimo. Y cuando le conté la historia de Nashville, de las nuevas canciones me dijo que él encantado y que me le mandara temas. Al final el tema lo eligió él y creo que ha sido un acierto absoluto porque lo ha hecho crecer y cobrar incluso más sentido, como una conversación entre dos personas. Y su voz y su interpretación la elevan.

N.E.E.:  Ahora tienes una larga gira con “Pregúntale a Sarah Connor” ¿En esos conciertos, en los que te encuentres con tu público, disfrutando con tu música, esperas que reflexionen sobre hacia dónde va la sociedad con la Inteligencia Artificial?.

Nat Simons: Yo siempre digo lo mismo. Pero creo que hay bastante verdad en eso de una canción rara vez cambia el mundo pero si tan sólo sirve para hacer pensar a la gente, ya es algo muy poderoso. Y creo, algo les hará reflexionar, porque cada vez que hablo del tema de se vienen muy arriba (risas).

N.E.E.:  ¿Cuáles son tus redes sociales, página web dónde se te puede seguir y escuchar?

Nat Simons: Me pueden seguir sobre todo por Instagram nat_simons y por mi página de facebook, también tengo X y alguna más, perso soy más activa por esas dos y mi música está en todas las plataformas digitales y en la tienda online de Calaverita Records para comprar cd o vinilo o en todas las tiendas físicas en España.

N.E.E.: ¿Cuáles son las siguientes fechas de tu gira y dónde pueden los espectadores comprar
las entradas para poder disfrutar de tus conciertos en directo?

Nat Simons:  11/4 LLEIDA , 12/4 BARCELONA, 17/ 4 GIJÓN, 24/4 ALBACETE, 24/4 SAN JUAN DE ALICANTE, 29/5 SEVILLA, 5 JUNIO, 6 JUNIO PAMPLONA y muchas más!

N.E.E.:  Muchas gracias Nat Simons por tu tiempo, aquí te dejamos un espacio por si quieres
resaltar algo que no se haya comentado y te apetezca compartir con los espectadores y
esperamos que tengas una buena gira con tu nuevo proyecto “Pregúntale a Sarah
Connor”.

Nat Simons:  Me gustaría decirles que vengan a vernos en directo, es donde cobra sentido este disco, que apuesten por conciertos en salas, que sigan comprando formato físico que es lo que nos hace más humanos. Gracias a vosotros!

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Entrevista a Marshall Flash

Entrevistado : Grupo Marshall Flash

Entrevistadora :Lucía-Paloma Blázquez de Andrés

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El juego comienza en el título. En este disco no hay ninguna canción que se llame “Espejismo nº 9”, pero sí permanece el espíritu de espejismos anteriores, cuando escribieron aquello de “Soy del lugar donde tu brújula no apunta”. Porque el noveno disco de estudio de 091 sigue tan lejos de las modas como de costumbre, dejando respirar sus guitarras sólidas y expandiendo sus canciones sin trucos ni urgencias, enhebrando unas melodías luminosas con el calado poético de sus letras. Diez canciones que traen de vuelta su mejor rock, pop y blues, ese que bebe de los sesenta y los setenta y suena completamente atemporal, demostrando la clase invencible de la vieja escuela.

Desde La otra vida, su disco anterior, han pasado siete años y un montón de acontecimientos. La banda cumplió cuatro décadas sobre los escenarios sin autocelebrarse, compaginando su carrera con los proyectos en solitario de sus miembros. Al frente continúan José Antonio García, Tacho González, Jacinto Ríos y, componiendo todas las músicas y letras, José Ignacio Lapido, que también ha grabado todas las guitarras de Espejismo nº9 tras la marcha de Víctor Lapido. Durante casi un año, los cuatro han estado entrando y saliendo del estudio de grabación, El Cobertizo, grabando las canciones en tres tandas con la producción de Raúl Bernal. Y aunque al principio pensaban autoeditarse, Universal se cruzó en su camino y decidieron publicar el disco con ellos.

José Antonio García: Voz
Tacho González: Batería
Jacinto Ríos: Bajo
José Ignacio Lapido: Guitarras y voz

Letra y Música: José Ignacio Lapido · Productor: Raúl Bernal

Colaboraciones especiales:
Raúl Bernal: Piano y órgano
Popi González: Percusión y coros
Paulina del Carmen: Coros en “Ven vestida de nube”

Técnico de grabación y mezcla: Carlos Díaz
Ayudante: José Damián Muñoz

Grabado entre octubre de 2024 y julio de 2025 en Estudios “El Cobertizo” (Granada)
Masterizado por Mario G. Alberni en Estudios Kadifornia

Ilustraciones: Miguel Navia
Fotografía: Gustaff Chotos
Diseño y maquetación: Carlos Rocha

Director A&R: Miguel A. Sánchez
Jefe Producto: Mario González
De Producción: Riff Music

Empezaron modelando la pieza que abre el álbum, “Algo parecido a un sueño”, un medio tiempo cálido con un paisaje onírico que podría afincarse en su Granada natal, con guiños al Patio del Ciprés del Generalife o a la calle Sol. Una calle que, curiosamente, cambió de dirección en 2016, el mismo año que resucitó la banda, justo 20 años después de su separación. Pura coincidencia, tal vez, o un simple espejismo con el que continúa el juego. Porque a lo largo de su nutrida historia, 091 ha establecido un diálogo muy particular con su público, desplegando sus propios códigos y enriqueciendo tanto su imaginario que el oyente busca conexiones entre un verso y otro, entre una imagen y otra, entre un disco y otro. Por eso cuando suena “Piezas de desguace” nos acordamos de su lejano debut, Cementerio de automóviles, aunque cuarenta años después “las piezas de desguace ya están oxidadas y desgastadas”, ríe Lapido.

Pero no se engañen: las músicas y letras de Espejismo nº9 no conocen el óxido. “Yo pensé que al cumplir más años iba a ser peor, pero ha sido un proceso muy natural, muy orgánico”, confiesa Lapido sobre el trabajo de composición, partiendo siempre de una melodía o un riff antes de escoger las palabras. En alguna ocasión ha llegado al local de ensayo con una música sin letra, como ocurrió con “Ven vestida de nube”, el segundo single, de una belleza tan abrumadora que provoca un stendhalazo. Ahí, en los arreglos de guitarra, sobrevuela la influencia de la leyenda del soul Steve Cropper, con una letra que hubiese conmovido al mismísimo Roy Orbison: “Dejo que pasen los días esperando que lleguen respuestas, y al final lo que pasa es la vida a mi alrededor”.

Canciones que habitan en ese limbo entre la realidad y la ficción, como “Antes de que salga el sol” o “Puede que el tiempo”, acechadas por la incertidumbre, como sucede en el primer single de la colección, “No tiene sentido escapar”, y por el paso del tiempo, como en “Los cantes de la sinrazón”, con un riff tremendamente adhesivo. Temáticas que parten de una palabra o un pensamiento “y te abren un mundo, como túneles tapados por la maleza”, advierte José Ignacio, con ese sarcasmo marca de la casa que encontramos en la negroide “Dormir con un ojo abierto”. Un blues canónico, sucio y pantanoso, que bebe de los bluesmen de Chicago, en el que nos sugieren no bajar la guardia mientras buscamos refugio en la brújula de la incertidumbre, esa que marca hacia la duda o el desconcierto. El mismo tono irónico que esconde detrás de la crueldad poética de “Nadie quiere oír tu llanto”, donde por primera vez los personajes ficticios tienen nombre. Tipos excluidos de la sociedad que combaten contra sí mismos, contra lo desconocido o contra el pasado, como Juana, una Norma Desmond de extrarradio.

Esta última composición contiene una buena sesión de guitarras, en un disco en el que predominan los medios tiempos y las melodías soleadas y en el que contrastan los teclados y las cuerdas, jugando con la sonoridad del Wurlitzer y las guitarras distorsionadas. Una diferencia de texturas que está muy presente en el disco, producido por el finísimo oído de Raúl Bernal, quien conoce a la banda por dentro y por fuera y ha pulido el sonido manteniendo su esencia clásica.

De la ilustración que abre y cierra la funda del vinilo se ha encargado Miguel Navia, que ha dibujado una ciudad de madrugada, “Antes de que salga el sol”. Calles rodeadas de niebla que recrean ese limbo entre lo soñado y lo real, repletas de simbolismo onírico, seres mitológicos y personajes inquietantes en penumbra. Un paisaje lleno de pistas del cancionero en cuya contraportada figuran los rostros apostólicos de los Cero, junto a un escarabajo matriculado en 1982. Quién sabe si habrá algún guiño a Santa Teresa, a Elvis o a Stalin, como sucede en “Una revelación”, pero la vida, sin duda, es como esa canción: sueño salvaje que se doma, a veces sombra, a veces resplandor. Menos mal que existen 091 para contárnosla de una forma tan magnífica y auténtica como en este Espejismo nº9, la mejor brújula para guiarnos en estos tiempos inciertos.

GIRA 091 “Espejismo nº9”

Todas las entradas a la venta aquí.

14 febrero – Madrid · La Riviera (Inverfest)
09 abril – Granada · Industrial Copera
¡Entradas agotadas! 10 abril – Granada · Industrial Copera
11 abril – Sevilla · Custom
17 abril – Valencia · República
18 abril – Murcia · REM
02 mayo – Bilbao · Santana 27
07 mayo – Barcelona · Apolo 2 (Guitar BCN)
21 mayo – Santiago · Capitol
23 mayo – Gijón · Albéniz
30 mayo – Laujar de Andarax (Almería) · Festival Murmura

Todas las entradas a la venta aquí.

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Después de meses desvelando distintas piezas de su universo creativo, Luis Fercán publica “Cerezos en flor”, su nuevo trabajo de estudio y el más ambicioso hasta la fecha. Un disco producido de nuevo por Nacho Mur, con el que lleva colaborado desde Canciones Completas Desde Una Casa Vacía, y que consolida una forma de entender el folk desde un lenguaje actual, íntimo y profundamente personal.

El álbum llega tras una serie de cinco adelantos —“Cristales”, “Me estoy contradiciendo”, “Frexulfe”, “El otro lado” y “Esta vez”— que han ido adelantando algunas de las claves del disco: la memoria como lugar al que volver, el peso de la ausencia, la contradicción emocional y esa idea tan presente en las letras de Fercán de que aquello que duele también puede sostener. Canciones publicadas como capítulos de un mismo relato que ahora, por fin, se presenta completo.

Arte: Alejandro Famos @fffmos

Luis Fercán: Guitarras acústicas y voz
Nacho Mur: Guitarra eléctrica, Nashville, banjo, sintetizador, bajo, pedalsteel y Rhodes
Iban Urizar: Fliscorno y harmonium
Karlos Arancegui: Batería y percusión
Sara Zozaya: Acordeón, teclados y coros
Nacho García: Coros

Créditos Generales:

Producción musical y arreglos: Nacho Mur
Grabación: Juan Regueira y Nacho Mur (El Nido Estudio y Garate Studios)
Grabación sonido de ambientes: Luis Fercán, Izan Serrano y Pedro Ramírez
Mezcla: Nacho Mur
Mastering: Dandy Sounds y Nacho Mur

BELLEZA FRENTE A VIOLENCIA, LUZ FRENTE A RUIDO

“Cerezos en flor” toma su nombre del significado antiguo de los cerezos: la belleza frente a la violencia. Esa tensión atraviesa todo el disco y conecta directamente con el momento vital y creativo en el que fue escrito. “El disco está lleno de esta idea, de contrastes que tuvo mi cabeza mientras lo escribía. Momentos en que el amor estaba por encima de todo y momentos en los que se imponía la tristeza y la ansiedad”, explica el propio Luis.

Musicalmente, el álbum se apoya en una producción cuidada y orgánica, grabada con banda al completo, donde cada arreglo acompaña a la letra sin imponerse. Guitarras acústicas y eléctricas, pedal steel, fliscornos, coros y baterías con aire de sala construyen un sonido cercano, casi de directo, que refuerza la sensación de estar dentro de las canciones. La producción de Nacho Mur vuelve a encontrar el equilibrio entre lo sencillo y lo preciso, dejando espacio a la voz rasgada de Fercán, uno de los grandes pilares de su identidad artística.

UN CANCIONISTA DE HOY, CON VOZ PROPIA

Lejos de la etiqueta de cantautor clásico, Luis Fercán se ha consolidado como un cancionista contemporáneo, heredero de la tradición del folk y de la canción de autor, pero con una sensibilidad claramente actual. Sus letras, directas y cargadas de imágenes cotidianas, convierten lo íntimo en algo compartido, sin grandilocuencia ni artificios.

Ese modo de escribir y de defender las canciones ha ido construyendo una relación muy sólida con el público. Tras publicar “Postales perdidas” en 2024, Luis amplía su base de seguidores en México, país que visita por segunda vez con este trabajo y amplia territorios en Latinoamérica, recorriendo Chile, Argentina y Colombia por primera vez, sumando así nuevos escenarios a una trayectoria marcada por la constancia y el boca a boca. En los últimos años, ha superado los 130 conciertos, con un número creciente de fechas con entradas agotadas, confirmando que su música encuentra su lugar natural en la cercanía de las salas.

UNA NUEVA ETAPA DE DIRECTOS

La publicación de “Cerezos en flor” viene acompañada de una nueva gira, en la que Luis Fercán presentará el disco y repasará las canciones que han marcado esta etapa. Un directo que sigue siendo uno de los grandes argumentos del proyecto: honesto, cercano y emocional, donde cada canción encuentra una nueva vida frente al público.

“Cerezos en flor” confirma a un artista en pleno momento creativo y que sitúa su nombre entre las propuestas más sólidas y personales del folk nacional actual.

 GIRA «CEREZOS EN FLOR» 2026
Todas las entradas disponibles AQUÍ

Información y actualización de más fechas en: https://luisfercan.es/conciertos/

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Shatterheart publican hoy Infernal Symphony, su nuevo disco de estudio y el trabajo más sólido y definido de su carrera hasta la fecha, ya disponible a través de Art Gates Records.

El álbum se mueve entre el metal sinfónico clásico, la pegada del power metal y un trasfondo más oscuro y gótico, dando forma a un disco contundente, bien equilibrado y sin excesos. Aquí no hay relleno: canciones directas, melodías claras y una atmósfera constante que sostiene el conjunto de principio a fin.

La producción corre a cargo de Johan Bergman, con mezcla y masterización realizadas en Studio Fredman por Fredrik Nordström, lo que se traduce en un sonido potente y limpio, capaz de realzar tanto los arreglos orquestales como el lado más duro de la banda sin perder definición.

Con Infernal Symphony, Shatterheart entregan un álbum compacto, coherente y pensado para escucharse entero, confirmando su buen momento creativo y dejando claro hacia dónde quieren avanzar.

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“Lovers and Fears” es el título del nuevo disco de LA PERRA BLANCO, un proyecto que nace de dos emociones primarias y universales: el amor y el miedo. Durante los dos últimos años, Alba Blanco ha vivido experiencias especialmente intensas que la confrontaron con estos dos polos de forma profunda. El miedo y el amor actúan como fuerzas transformadoras, generando todo un abanico de emociones derivadas de cada uno: del amor emergen la gratitud, el perdón y la alegría; del miedo, las dudas, la inseguridad y otras emociones negativas. Desde esta perspectiva, el disco incorpora un trasfondo espiritual y refleja un proceso de crecimiento y transformación interior.

En el ámbito musical, “Lovers and Fears” supone un salto en madurez artística y en calidad de producción. El proyecto cuenta con un equipo de renombre internacional, lo que se traduce en un trabajo más completo en términos de arreglos, composición y sonido. La esencia musical del grupo se mantiene fiel a sus raíces, con influencias del rock y de la tradición negra americana, llevadas a un terreno más profundo y refinado.

Destaca la participación de JD McPherson en la canción “Sin Amor”, aportando una dimensión especial al tema. La producción del álbum corre a cargo de Jimmy Sutton, cuya experiencia y trayectoria imprimen al proyecto una identidad sonora sólida y definida. El disco también incluye un par de temas en castellano, ampliando su diversidad expresiva.

En conjunto, “Lovers and Fears” (Maldito Records) funciona como un retrato del viaje personal y espiritual de Alba Blanco, expresado a través de canciones más maduras, emocionalmente honestas y sostenidas por una producción a la altura de la ambición artística del proyecto. El álbum conecta con la universalidad de las emociones humanas y muestra cómo el amor y el miedo moldean la experiencia vital

Nuevas fechas de la gira de LA PERRA BLANCO.

Viernes 27/02 – BARCELONA – Apolo 2

Viernes 06/03 – ZARAGOZA – Sala Oasis
Sábado 07/03 – VALÈNCIA – Sala Moon
Viernes 13/03 – ALICANTE – Sala Stereo
Viernes 20/03 – MURCIA – Garaje Beat
Sábado 21/03 – SEVILLA – Sala Custom
Domingo 22/03 – GRANADA – Planta Baja
Viernes 27/03 – DONOSTIA – Intxaurrondo
Sábado 28/03 – VICTORIA – GASTEIZ – Jimmy Jazz
Viernes 10/04 – MADRID – Sala But
Sábado 11/04 – SANTIAGO COMPOSTELA – Sala Capitol
Sábado 25/04 – ALCÁZAR SAN JUAN – Lebowski Blues Fest
Viernes 22/05 – PONFERRADA – Sala H
Sábado 23/05 – BILBAO – Kafé Antzokia
Sábado 06/06 – ALMANSA – Almansa Music Fest
Sábado 04/07 – PRÉJANO – Moradillos Festival
Viernes 10/07 – ESTONIA – American Beauty Summer Meet

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La banda de melodic metal Dyecrest desvela los primeros detalles oficiales de Defying Gravity, su próximo álbum, que verá la luz el 24 de abril de 2026 a través de Art Gates Records.

Defying Gravity será el quinto álbum de Dyecrest y supone el trabajo más cohesionado y sólido de su carrera hasta la fecha. Un disco que refleja años de evolución, madurez y refinamiento artístico, unificando todos los elementos que definen a la banda en una obra firme, clara y plenamente consciente de su identidad.

El artwork del álbum, creado por Sami Romppainen, refuerza visualmente este concepto. Tal y como explica la propia banda:
“Defying, grounding and balancing ourselves within the shape of the world as it is today. The world contains many things that simply are. Is everything really as we have always imagined? Not everything has an explanation.”
Una declaración visual poderosa que conecta directamente con los temas de fondo del álbum y su profundidad emocional.

A nivel sonoro, Defying Gravity representa un momento clave en la trayectoria de Dyecrest. La banda describe así el nuevo sonido:
“This sounds as we had imagined plus much more! This is the sound that we built together. Versatile and atmospheric. Something old, something new. A subtle fusion of heaviness, rocking energy and catchy melodies. This is the sound of the journey to become the band we are today.”
Un álbum construido desde el contraste y la cohesión, donde el peso y la melodía conviven de forma natural, reflejando la evolución y la personalidad propia que Dyecrest ha consolidado con el paso del tiempo.
Defying Gravity ha sido producido por Dyecrest junto a Miitri Aaltonen, en un proceso completamente colaborativo. Las baterías se grabaron en Astia Studio, mientras que voces, guitarras y bajo se registraron en Matalapaine Studios. Los teclados, guitarras adicionales y voces extra se grabaron en distintas localizaciones. La mezcla se realizó en Matalapaine Studios por Miitri Aaltonen, y el masterizado tuvo lugar en Finnvox Studios a cargo de Mika Jussila.

1. Unravel Me

2. Forsaken

3. Bite the Bullet

4. The Weight of the Trigger

5. Enceladus

6. Safe and Sound

7. The Spark

8. Fire Walk with Me

9. Lost Voices

Defying Gravity estará disponible en formato físico y digital desde el 24 de abril de 2026 vía Art Gates Records.

En las próximas semanas se desvelarán más detalles sobre los singles, adelantos y la campaña promocional del álbum.

Esto es solo el comienzo.

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Dura Calá presenta ‘¡AY!’, su primer álbum de estudio. «Macarreo puro y sin filtros» que nace de un punto vital que la propia banda define como «mejorable», pero es precisamente eso es lo que le da su fuerza. El grupo huye de lo conceptual para centrarse en lo que mejor conocen, sus propias vidas y las de los suyos.

«Este disco es un vacilón», explica la banda. «Son nuestras historias, algunas muy personales y otras que nos tocaban de cerca, siempre respetando el anonimato porque no está el plan para destripar los trapos sucios de los colegas. Hemos hablado de lo que conocemos, de lo que nos preocupa y de lo que deseamos, sin filtros».

Ese compromiso con la realidad se traduce en un sonido crudo que bebe directamente del cine quinqui y de la esencia de sus orígenes. Es un sonido propio, directo y crudo.

Aunque cada tema de ‘¡AY!’ funciona como una pieza independiente, existe un hilo invisible que recorre todo el álbum: Madrid. La ciudad es el escenario donde han nacido las canciones, desde las anécdotas vividas en sus barrios hasta los trayectos de ida y vuelta que inspiraron canciones como “La Macarena”.

El álbum incluye los singles que han ido saliendo este último año “Tío Pepe”, “Mala Sangre”, “Mataora”, la más reciente “La Suerte” o como “Reyerta”, una adaptación de un poema de Lorca.

Para Dura Calá, sacar este disco es la culminación de un año de esfuerzo y la excusa perfecta para hacer lo que más les gusta, echarse a la carretera. La banda arranca el 13 de febrero en Sevilla una gira de presentación del disco que los llevará por salas de Granada, Madrid o Salamanca.

Dura Calá es una banda madrileña formada por músicos con un largo recorrido en la escena de la ciudad, en la que han pasado por diferentes formaciones a lo largo de los últimos años, y que han unido sus fuerzas para dar forma a sus propias canciones llenas de personalidad que respiran barrio, actitud y cierto «aire quinqui» de la capital.

«Dura Calá nace de las sombras de la despiadada y adictiva noche madrileña, tras un encuentro fortuito de cinco gatos callejeros. Seis jóvenes músicos que ya saben lo que es buscarse la vida como buscavidas y mercenarios en el negocio musical y que con más ganas que nunca, han unido fuerzas en al conocerse y coincidir en los locales de ensayo de la capital, en busca de un proyecto honesto y que les llene musicalmente, fieles a sus raíces»

Con tan sólo un EP publicado, han conseguido llamar la atención de la crítica y el público colgando el cartel de «todo vendido» en los primeros conciertos de su ciudad. Así lo demuestra su incorporación a Calaverita Records donde se suman al equipo formado por su manager, Chema Gallego, y su oficina de contratación Bola 9 (ZOO, Riot Propaganda, Ill Pekeño & Ergo Pro…)

¿El resultado? Un sonido crudo que insufla vida a sus historias, relatos de perdidos y olvidados, de rabiosos, hartos y abandonados. Historias narradas desde el divertido desenfado propio de seis inadaptados que, con una canalla flema castiza, exploran sin reparos sus orígenes mientras rinden tributo a un amplio abanico de influencias: rumba, rock, funk… ¡y hasta stoner! Lo que Dura Calá denomina «Macarreo Madrileño». Y tienen de sobra, tanto como esos perros quinquis que dieron para trilogía.

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La electricidad volvió en cuanto volcó el reloj de arena. El tiempo no ha disminuido la fuerza de la luz. El grupo de heavy metal Latzen de Oñati ha retomado su andadura en el lugar que lo habían dejado. Han renovado el cuarteto y revitalizado la propuesta con ideas del pasado, recursos actuales e ilusiones de futuro. Fruto de ello es el tercer disco Denboraren orbainak (Cicatrices del tiempo): cuidado, maduro y variado.

Han presentado diez nuevas canciones, después de 27 largos años. Sirve para entender lo que fue Latzen y lo es ahora, a través de la conexión natural entre ambos. Han mantenido el mismo carácter, pero con más experiencia para ralentizar y acelerar la velocidad. Así son las cicatrices del tiempo, dispuestas a dejar huella.

Muestra de su esencia más heavy son el inicio (Txori txarrak) y el final (Zilarrezko kaiola), pero no los únicos (Txarriboda). También hay piezas pausadas de corte thrash (Memento mori, Dogma), para un público más amplio (Eutsi!, Heroi direnak, Arnasbideak), un pasaje instrumental (Denboraren orbainak) y una de las canciones más sentidas creadas hasta ahora (Zauria).

Lejos ha quedado la primera y tan exitosa etapa de aquellos cuatro jóvenes. Entre1993 y 1999 publicaron la maqueta Heriotzari deika (Llamando a la muerte), que cumple 30 años, y dos discos: Kontzientzia ala infernua (Conciencia o infierno) y Ardi larruz (Piel de oveja). Encontraron una forma propia de trabajar el heavy/thrash metal en euskera.

La segunda era fue aún más corta para los cuatro miembros. Regresaron en 2007 para hacer la gira de conciertos Infernuko ateetan (A las puertas del infierno), y en 2008 para despedirse por segunda vez.

La tercera era se inició en 2025, cumpliendo ese deseo. Después de diecisiete años, actuaron en el gaztetxe Zorrotza de Bilbao y en el último festival Hatortxu Rock de Lakuntza. Para ello, han tenido que recomponer el cuarteto. Yerko Ortiz — en sustitución de Iker Martínez de Zuazo — se une a sus originales compañeros Aitor Uriarte (voz y guitarra), Joxemari Azpitarte (bajo) y Gorka Lazkano (batería).

A partir de enero de 2026, presentarán su nuevo trabajo Denboraren orbainak con una gira de conciertos, en varias salas de Euskal Herria y en los festivales de heavy metal más importantes de España.

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