El single y videoclip de “Pasta” ya están disponibles, y con ellos, Vuelo Fidji presenta una de sus piezas más emocionales y directas hasta la fecha: un retrato crudo de lo que queda cuando una etapa termina, pero su huella sigue latiendo.

Hay casas que no se abandonan. Te abandonan ellas a ti… y aun así te quedas dentro. Desde esa idea nace “Pasta”, una canción que transforma un recuerdo cotidiano —una madrugada cualquiera, una olla de espaguetis improvisada, risas que parecen eternas— en una imagen generacional imborrable. No habla de dinero, sino de ese instante suspendido en el tiempo donde todo era posible y nadie pensaba en el después.

Pero toda casa tiene un último día. Y ahí empieza realmente la historia: cuando toca recoger, cerrar la puerta y aceptar que ese lugar —y quienes éramos dentro de él— ya no volverán a existir de la misma forma. “Pasta” se sitúa justo en ese vértigo de crecer sin traicionarse, de intentar sostener las promesas hechas entre risas y salsa de tomate mientras la vida avanza.

El videoclip amplifica esa emoción y la lleva a un terreno físico, casi habitable. Rodado en el estudio del pintor Ángel Fernández “Mochy”, el espacio se convierte en una extensión de la memoria: un lugar vivo, cargado de materia, historia y presencia. Aquí no hay artificio, solo verdad. Cada textura, cada mancha, cada pared habla.

El universo de Mochy —visceral, matérico— atraviesa las imágenes con una tensión constante entre control y desbordamiento. Y en ese entorno, Vuelo Fidji aparece en su versión más eléctrica y expuesta: sin filtros, sin refugios. No interpretan, descargan. La música irrumpe como una fuerza que sacude el espacio, transformándolo en tiempo real.

Así, “Pasta” se convierte en algo más que una canción o un videoclip: es una combustión entre sonido e imagen, entre memoria y presente. Un punto de encuentro donde todo arde sin consumirse del todo.

Porque esto no es nostalgia. Es memoria activa.

La prueba de que hubo una noche en la que todo era posible… y que, aunque la casa desaparezca, lo que fuimos —y lo que prometimos ser— sigue en pie.

PRÓXIMAS FECHAS DE GIRA

17 de abril – Almería

24 de abril – Madrid

26 de abril – Balazote

14 de mayo – Villamalea

6 de junio – Almagro

13 de junio – Villagarcía del Llano

19/20 de junio – Antorchas

27 de junio – Sisante

4 de julio – Santa Pola

12 de julio – Tarazona

8 de agosto – Higueruela

26 de septiembre – Valencia

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Conciertos de RAVEN en España en mayo

20 Mayo MÁLAGA Sala Core

21 Mayo BARCELONA Lennon`s 

22 Mayo VALENCIA Zulú

23 Mayo MADRID Silikona

24 BILBAO Groove

Presentarán su ep debut 

«Bedtime Stories I: The Awakening»

CONCIERTO EN EL PRE-F.E.T.O. FEST

25 DE ABRIL- LA GRANGE ROCK CLUB (MANLLEU)

FINALISTAS EN LA BATTLE OF THE BANDS

 26 DE ABRIL SALA BIKINI (METAL FAMILY) 

Manguales Extreme Metal Union presenta: RAVEN en España 2026 
Si hablamos de bandas que marcaron el camino del thrash metal, Raven es un nombre imprescindible. Los británicos no solo fueron parte esencial de la New Wave of British Heavy Metal, sino que dieron un paso más allá en velocidad, agresividad y energía. Su sonido acelerado, su actitud incendiaria en el escenario y su espíritu innovador les han otorgado el título de “The NWOBHM Godfathers of Thrash”.

RAZERS y SONS OF CULT son las bandas invitadas que actuarán como teloneras en las cinco fechas.

Razers es una banda emergente joven con toques de heavy clásico y power metal que pretende dar un aire nuevo al género, con temáticas épicas, harmonías frenéticas y riffs pegadizos.

Fue fundada por Abril Gutiérrez y Amanda Espinas, y más adelante se les han unido Adrià Brú a la batería, Shuchen Yin al bajo y Hellena como frontwoman y cantante.

Razers fusiona el estilo clásico conocido con otros variados que aportan profundidad al sonido, y vienen dispuestos a comerse los escenarios con su energía arrolladora.

Su Ep debut «Bedtime Stories I: The Awakening» lo grabaron en el mes de mayo en La Atlántida Estudio bajo la producción de Razers y Edgar Beltri quien también ha grabado y producido a bandas como Crisix, Radity, Bellako, Fuck `Em All y muchas más.

Han abierto conciertos para bandas como Streamer y  Cobra Spell y han actuado en muchos escenarios de la ciudad condal incluyendo algunos festivales locales como.

El mismo día de la salida del disco actuaron en Hangar05 de Barcelona, con la banda estadounidense Solace que abrieron para Razers.

Están preparando una gira que irán anunciando en breve para darse a conocer fuera de Catalunya

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Feelingless y I Legion presentan “Two Worlds Colliding”, un nuevo single que marca la primera colaboración compositiva entre Hugo (Feelingless) y Frederic Riverin (I Legion), un punto de encuentro entre dos mundos creativos que encuentran un terreno común a través del sonido.

Con la inconfundible voz de Björn Strid (Soilwork), el tema ofrece una potente mezcla de death metal melódico e influencias de metal moderno, dirigido a fans de bandas como In Flames, Soilwork o The Halo Effect.

Producido, mezclado y masterizado por Pedro J. Monge (Vhäldemar), quien además aporta un solo de guitarra, Two Worlds Colliding combina profundidad emocional con precisión e intensidad, dando como resultado un sonido tan expansivo como inmediato.

A nivel lírico, escrito por Hugo, el tema explora la tensión entre fuerzas opuestas: dos mundos que, a pesar de sus diferencias, encuentran finalmente una forma de coexistir. Un concepto que no solo define la canción, sino que también refleja la propia colaboración entre sus creadores.

El videoclip, presentado en formato playthrough con ambos artistas, pone el foco en la interpretación y la conexión, dejando de lado la narrativa para resaltar la esencia del tema.

Con este lanzamiento, Feelingless continúan expandiendo su identidad mientras abren nuevas vías creativas a través de la colaboración, uniendo distintas visiones en una propuesta sólida y poderosa.

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Carey presenta «Sonao», su nuevo single. Una canción que nace directamente de los viajes de ida y vuelta, de la ciudad a la playa, de la capital a las provincias y del centro a las afueras. En lo musical, la banda se apoya en su clara querencia por el sonido latino, dejando que la inspiración de sus viajes a Cuba, Brasil, Uruguay o México se vaya colando en las rítmicas de la composición.

La inspiración del tema surge de esas situaciones en las que, durante esos trayectos vitales, se quedan a veces de un lado o de otro los corazones, las ideas, los amores y las personas. Desde esa óptica, la canción intenta cantar todas estas vivencias con gran amabilidad. Para redondear este mensaje, Carey cuenta en «Sonao» con la colaboración vocal de Muerdo, un artista al que admiran y quieren desde hace años, y cuya aportación encaja a la perfección al tratarse también de una voz “de todas partes”.

Compuesta en los viajes a México de estos últimos meses, la canción ha sido grabada en su mayoría en los estudios de Antonio Turro. El resultado es un tema que ofrece un punto menos dramático y narrativo que otras canciones anteriores de Carey, pero que mantiene intacto el detalle siempre aplicado en el sonido, las letras y las melodías. Una auténtica pieza de orfebrería musical diseñada paraalcanzarnos con suavidad.

Carey
Carey es uno de los proyectos más singulares y con mayor personalidad del panorama actual. Formado por aaronsaez (compositor, músico, escritor y miembro del grupo Varry Brava) y Antonio Turro (guitarrista, profesor del Conservatorio Superior de Cartagena y concertista), el dúo ha construido una propuesta que bebe de la tradición popular y la reinterpreta desde la modernidad (habanera, tango, bolero, copla, cuplé, jazz) y músicas de ida y vuelta conviven en un lenguaje propio, emocional y rotundo.

Su discografía incluye ‘Estamos Hablando de Tigres’ (2023), un debut que asentó su imaginario sonoro, y ‘La Casa Rosa’ (2024), grabado en los Estudios PM de Pablo Milanés en La Habana junto a músicos imprescindibles como Pancho Amat o Miguel Núñez. Este álbum supuso un viaje de investigación y renovación del género de la habanera, conectando tradición, riesgo y modernidad, y les llevó a presentar su directo en ciudades de España, Francia y México.

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Un single que inaugura su tercer álbum y propone volver a la voz interior en un contexto dominado por la velocidad y el ruido

Más de 12M de streams con “Quiero Fácil”, convertido en himno generacional
“Fruta” formó parte de la BSO de La Casa de las Flores (Netflix)
“Una de las voces destacadas de la canción de autor contemporánea en España” (El Mundo)

Sandra Bernardo abre nueva etapa con “Sin olvidarme de mí”, un single que inaugura su tercer álbum y que invita a parar y mirar hacia dentro en un momento social obsesionado con la velocidad y la productividad. Una canción que reivindica la importancia de priorizarse y mantenerse fiel a una misma en medio del ruido del mundo.

Su nuevo lanzamiento se presenta como una pieza de canción de autor contemporánea que dialoga con el pop folk hispano y respira calma y profundidad, construyendo un manifiesto íntimo desde la escucha interior.

La canción se despliega como una reflexión delicada sobre la identidad, el tiempo y la confianza en el propio camino. Con una lírica que mezcla poesía cotidiana y pensamiento introspectivo —“¿A quién buscamos si todo está dentro de ti?”—, Bernardo invita a regresar al lugar más esencial: la escucha interior. El agua, el aire y el paso del tiempo aparecen como símbolos de transformación y conciencia, recordándonos que el verdadero desafío no está fuera, sino en aprender a caminar sin perderse a una misma por el camino.

Musicalmente, “Sin olvidarme de mí” se mueve en un territorio sonoro que dialoga con la canción de autor contemporánea y el pop folk hispano, con una producción que equilibra con elegancia texturas electrónicas sutiles y elementos orgánicos. La atmósfera es envolvente y minimalista, permitiendo que la voz de Sandra se convierta en el verdadero hilo narrativo de la pieza.

Y es precisamente ahí donde emerge uno de los sellos más reconocibles de Sandra Bernardo: sus juegos vocales, capas que se entrelazan y expanden como un coro íntimo donde parece que habitan múltiples voces a la vez. Su interpretación oscila entre la vulnerabilidad y la afirmación más absoluta, entre el susurro contemplativo y el gesto luminoso de quien ha encontrado una certeza.

Este nuevo single ha sido grabado y producido en Madrid junto a Juan Torán y Juan Espiga (Nick Mulvey, Club del Río, Taburete), reforzando el carácter orgánico y contemporáneo de una canción que reafirma el universo artístico de Bernardo: un espacio donde conviven sensibilidad, introspección y una profunda conexión con la esencia.

EL UNIVERSO VISUAL: EL VIDEOCLIP

“Sin olvidarme de mí” viene acompañada de una pieza audiovisual dirigida por Manu Notario (AfterLive), quien ha trabajado con artistas como Mikel Izal, Nena Daconte, Miss Caffeina o Tu Otra Bonita, reforzando la narrativa estética de la artista.

Rodado entre el campo de Madrid y las playas de Melbourne (Australia), el videoclip articula un lenguaje visual que oscila entre dos universos: la oscuridad iluminada por el fuego —símbolo de la voz interior, la conciencia y la introspección— y la memoria de la libertad a través de la naturaleza, donde el cuerpo se expresa en movimiento en una playa australiana.

La pieza construye un paralelismo entre esa voz interior que insiste en no olvidarnos de nosotros mismos y la memoria corporal de aquellos instantes en los que nos hemos sentido verdaderamente libres y vivos.

Más que una canción, “Sin olvidarme de mí” funciona como un pequeño ritual sonoro: una invitación a reconciliarse con el propio ritmo, a confiar en los procesos invisibles y a recordar que el verdadero crecimiento comienza cuando dejamos de buscarnos fuera.

Con “Sin olvidarme de mí”, Sandra Bernardo abre una nueva etapa creativa. Una canción que no solo se escucha, sino que invita a detenerse, respirar y recordar algo esencial: que el camino más largo —y más valioso— es siempre el que nos devuelve a nosotros mismos.

SOBRE SANDRA BERNARDO

Sandra Bernardo (Madrid) es una cantautora que ha construido una trayectoria sólida dentro de la escena independiente española, moviéndose entre la canción de autor contemporánea y el folk pop orgánico de raíz hispana. Su propuesta, marcada por una sensibilidad luminosa y una mirada profundamente emocional, ha sido destacada por El Mundo como una de las voces imprescindibles del panorama actual.

Desde su primer EP Gardenia (2015), sus canciones íntimas y reflexivas han conectado con una generación que busca nuevas formas de sentir y narrarse. Con su debut Trópico Ideal (2018, El Volcán Música), consolidó un lenguaje propio donde conviven lo orgánico, lo atmosférico y las influencias latinoamericanas. Su canción “Fruta” formó parte de la banda sonora de La Casa de las Flores (Netflix), y “Quiero Fácil” se convirtió en un fenómeno viral con más de 12 millones de reproducciones en Spotify, consolidando su voz como una de las más reconocibles de su generación. Actualmente trabaja en su tercer álbum, cuyo primer adelanto, “Sin olvidarme de mí”, marca el inicio de una nueva etapa creativa.

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Doctor Velvet Revival ya están preparados para lanzarse a la carretera y presentar su proyecto en directo, el cual rescata la figura del guitarrista y compositor estadounidense Nick Curran, referente clave en la revitalización del rock & roll contemporáneo.

La banda, formada por siete músicos habituales de la escena madrileña, debutará en directo el próximo 23 de abril en el Babylon Club. Esta cita no solo servirá como carta de presentación, sino también como punto de partida de una gira con la que el grupo llevará su arrollador directo a ciudades como Zaragoza, Barcelona, Soria y Logroño, entre otras por anunciar.

El origen de Doctor Velvet Revival se sitúa a finales de 2025, cuando varios nombres destacados del circuito de rock & roll y música afroamericana deciden unirse con una idea clara: recuperar la esencia sonora de Curran, combinando crudeza, elegancia y una energía sin concesiones.

El resultado es un repertorio que bebe del rhythm & blues más primitivo y lo mezcla con la electricidad del garage y la actitud del punk. En ese cruce de caminos aparecen ecos de Little Richard, T-Bone Walker, The Sonics, Ramones o Misfits, dando forma a un directo intenso, directo y sin artificios.

Más que una banda homenaje, Doctor Velvet Revival funciona como un colectivo que reinterpreta ese universo sonoro con personalidad propia. Su formación —reforzada por una contundente sección de vientos— está pensada para el escenario, donde el impacto y la conexión con el público son parte esencial del concepto.

Su primer single, “Baby You Crazy”, es una buena muestra de todo ello: un tema vibrante, acelerado y visceral que condensa la filosofía del grupo, combinando raíces clásicas con una actitud claramente contemporánea.

La grabación se llevó a cabo en directo en Metropol Studios el 12 de noviembre de 2025, buscando capturar la inmediatez y la fuerza real de la banda. Sin trucos ni sobreproducción, el resultado refleja fielmente su sonido en vivo.

La formación está compuesta por Alberto Anaut a la voz, Pablo Sanpa a la guitarra, Alfonso Múgica al bajo y coros, Chavi Ontoria en teclados y coros, Javier “Skunk” Gómez a la batería, Guille Gosalbo al saxo tenor y coros, y Dani Niño al saxo barítono. Un equipo de músicos con amplia trayectoria que ahora canaliza su experiencia en un proyecto común con vocación de directo

El apartado técnico cuenta con Alex Cappa en la grabación, mezcla y máster, producción de Guille Gosalbo y un videoclip dirigido por Jaime Massieu, rodado durante la misma sesión para plasmar la intensidad del momento.

Con el inicio de su gira, Doctor Velvet Revival se prepara para reivindicar sobre los escenarios un rock & roll sin filtros, enérgico y plenamente vigente.

Gira:

23.04.- Madrid. Babylon Club

18.09.- Zaragoza. Rock & Blues Café

19.09.- Barcelona. El Prat de Llobregat. Garage 1950’s

2.10.- Soria. Botánico Café Teatro

3.10.- Logroño. Stereo R&R Bar

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“Otra Vez” es el segundo adelanto –antes publicaron “Como El Cristal” (ver video)- que la joven ciempozueleña banda Barracüda presentan y que aparecerá dentro de su próximo EP, que estará disponible antes de finalizar 2026. Esta nueva canción, igual que todo el EP, ha sido producido por Mr.Chify prestigioso guitarrista de Habeas Corpus y productor de bandas como Riot Propaganda, Habeas Corpus, Non Servium, Suzio 13 o Kaos Urbano.

En “Otra Vez” vas a encontrar densos riffs de guitarras, que ya te van a mover y que te posicionaran directo a su estribillo pegadizo. A destacar también, una melodía que puede que se instale en tu cabeza durante una temporada y la recuerdes y tararees durante bastante tiempo. Claramente es un tema para directo por el protagonismo coreable en su estribillo. A destacar, sobre manera, el impresionante y original videoclip, donde Sara Ortiz Cardo se encarga del diseño visual y la dirección de arte.

Desde 2017, Barracüda no han dejado de demostrar su potencial compartiendo escenario con bandas como Desakato, Tropa Do Carallo, Talco, Kaos Urbano, Los de Marras, Envidia Kotxina, Ñu, Sinkope o Reincidentes. También han pisado festivales que apuestan por el futuro del Rock y por dar visibilidad a las nuevas bandas como: Rebujas Rock, Festival Tajadak, Centenera Rock, Grimal Rock, Fiestas de San Nicasio o Pradera Fest, entre otros.

Barracüda arrancaron su nueva gira, a finales del 2025, en México y alternando con la publicación de nuevos singles, siguen sumando fechas a su actual gira en salas y festivales:

GIRA BARRACÜDA 25/26

Fechas confirmadas

2025

5 DICIEMBRE. MÉXICO DF – CDMX. SALA GATO CALAVERA.

6 DICIEMBRE. MEXICO DF – CDMX. TRANGRESIVO FEST. FORO 28.

7 DICIEMBRE. TLAXCALA – MÉXICO JAM CLUB.

19 DICIEMBRE CIUDAD REAL. LA CLUB

27 DICIEMBRE. MADRID. SALA LA RIVIERA +LENDAKARIS MUERTOS

2026

23 ENERO. VALENCIA. SALA EL ASESINO

27 MARZO. MADRID. SALA GRUTA 77

17 ABRIL. GUADALAJARA. SALA OXIDO. +LOS DE MARRAS

18 ABRIL. MOS. VIGO. PONTEVEDRA. MOSCAROCK FESTIVAL

30 ABRIL. VILLARROBLEDO. ALBACETE. VIÑA ROCK

02 MAYO. CHAPINERIA. MADRID. SALA OESTE

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THE BUZZOS lanza «Make Things Right» el primer single de adelanto de su próximo álbum. Desde 2002. La banda ha sabido mantenerse firme, evolucionando sin perder su esencia. Así es como han decidido lanzar un nuevo álbum el viernes 26 de junio, titulado “Survival”. No podría tener un título más acertado ya que es el reflejo de una larga trayectoria forjada a base de kilómetros, escenarios y canciones.

El nuevo disco promete grandes melodías, riffs potentes y una colección de temas que respiran autenticidad. Rock hecho con las tripas y con la experiencia de quien sabe lo que es mantenerse en pie cuando todo está en tu contra.

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Tras una triunfal racha sobre los escenarios europeos, la banda de thrash metal Dawn Of Extinction lanza su nuevo single y video, “Dragons in the Night”, que actúa como el manifiesto emocional de una banda que ve cómo los sueños de toda una vida comienzan a hacerse realidad.

Forjado tras su primera gira europea, el tema captura un punto de inflexión decisivo: el momento en el que años de sacrificio, dudas y esfuerzo incansable finalmente convergen en algo real.

Producido por Crisof Productions, el videoclip traduce esa transformación en imágenes impactantes, amplificando el núcleo emocional del tema.

La metáfora del Dragón representa el fuego creativo y el poder expansivo que despiertan cuando un músico ocupa por fin su lugar con autoridad. Es la sensación de volverse “inmenso por dentro” tras conquistar el escenario paso a paso.

El tema también se erige como un homenaje a la hermandad del heavy metal, inspirado en la experiencia de la banda acompañando a Blind Guardian en su gira. Canaliza la energía compartida entre banda y público: un espacio donde, por un instante, todo encaja y la magia vuelve a sentirse real.

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A tan solo un mes del concierto en la Sala La Riviera de Madrid, Celtian han anunciado a algunos de los invitados que estarán en la sala para celebrar este día como se merece.

Francesco Antonelli – Teclista de Mago de Oz

Jorge Salán– Guitarrista de Mago de Oz

Fernando Mainer– Guitarrista de Mago de Oz

Irish Treble 

Sara Ember– Violinista

La banda de folk metal CELTIAN ha recorrido en estos años toda España y también parte de Latinoamérica, consiguiendo, en la presente gira, Sold Outs en ciudades como Madrid, Barcelona, Sevilla, Ciudad de México y Santiago de Chile, además de actuar en escenarios principales de festivales de la talla de «Leyendas del Rock», «Rock Imperium» y «Z live». Además, Celtian abrió en dos ocasiones el show de Mago de Oz en la Arena CDMX

Recientemente han pasado por Barcelona donde han llenado también la sala Salamandra presentando este cuarto disco «Secretos de Amor y Muerte»  (tercero con voz), álbum conceptual representa la consolidación definitiva de Celtian.

Producido por Txus di Fellatio (Mägo de Oz), el sonido es más duro que en los anteriores trabajos, se introducen nuevos instrumentos de Folk como la Gaita Irlandesa. La variedad de estilos es una de las señas de identidad de este nuevo disco, con algunas canciones más «duras» y otras que son puramente «Folk». Las orquestaciones y teclados de Francesco Antonelli (Mägo de Oz) y Javi Díez (Ex Mägo de Oz) se adaptan perfectamente a cada canción aportando mucha diversidad de matices.

El concepto del disco está basado en un cuento escrito por Xana Lavey, que cuenta la historia de un pueblo maldito a causa de la ira y el despecho de una poderosa Meiga, y del viaje de un joven trovador que, junto a su peculiar instrumento, es el elegido para acabar con la maldición. El cuento puede leerse en el libreto que acompaña tanto al CD como al Vinilo.

El álbum cuenta con las colaboraciones de Rafa Blas y de Jorge Salán (cantante y guitarrista de Mägo de Oz, respectivamente) que hacen un increíble trabajo y aportan su sello a Celtian.

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